He tardado muchísimo en decidirme a ver esta sexta temporada de Juego de Tronos. La razón? pues el enfado acojonante que llevo con el creador de la historia, el escritor George RR Martin, quién decidió hace mucho tiempo vivir a la bartola, pasar de escribir y vender su retoño a HBO para que hiciesen con él lo que les viniese en gana, y ojo, que HBO ha cuidado el producto y lo ha hecho si cabe más grande. El trabajo de David Benioff y DB Weiss es sobresaliente, no es tarea fácil llevar esos libros a la pantalla, darle ritmo y cumplir con las expectativas de millones de fans, y menos aún enfrentarse al abismo de superar la linea argumental de los libros gracias a la desidia de Martin, un vagazo descomunal. Algo les habrá contado de como pretende terminar la historia porque si bien la serie televisiva se toma muchas licencias (normal, qué cojones esperábamos, es otro medio, otro ritmo, otro enfoque...) el final es el final, y al final deben ganar unos y perder otros. En cuanto a la sexta temporada, la de la vía libre sin ataduras a los libros, resulta que es la mejore temporada de la serie, sí, lo digo así y me quedo tan pancho, es la mejor televisivamente, la que tiene mejor ritmo, menos relleno, y en general más de todo. Los dos últimos episodios (sobretodo el de La batalla de los bastardos) son para enmarcar (a pesar que Varys tenga el poder de la teletransportación cuántica, ni en Star Treck....)  pero toda la temporada es fantástica. Después de una más que fallida Temporada 5 de GOT, tocaba redimirse con algo grande y desde luego esta temporada es fantástica. No quiero spoilear, así que no sigo porque veo que quiero y no puedo o no debo. Para todos aquellos que pensabais que sería una mierda, que no valía la pena os digo que sí, que la sexta temporada es muy grande y que... tal vez ya no lea los libros, lo siento George pero eres un caradura y un vago. 

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS/ SKELETON TREE (2016)/ GIRL IN AMBER

 

Días extraños. Días grises. Días tristes y dolorosos. Días en los que necesitas tener la mente ocupada, pasar página, y no pensar, no llorar, no gritar.... La muerte de un hijo puede que sea uno de lo sucesos más terribles que una persona pueda padecer en sus carnes, no puedo imaginar el dolor, la desesperación, la tristeza. No puedo ni imaginar como sobreponerse a tan espeluznante suceso. Nick Cave lo está intentado, y mientras su corazón sangra y su alma se recompone intentando unir los mil pedazos en los que se había roto, Cave intenta pasar página o simplemente dar un paso adelante de la única manera que parece saber, que no es otra que creando música, que dejando salir al exterior su dolor. Su hijo de 15 años, Arthur Cave junto a un amigo, decidió tomar un poquito de LSD, ambos consiguieron lo que querían, hacer un viaje inigualable, tanto fue así que acabaron cayendo por los acantilados de Brighton. Justo cuando todo esto pasó, Cave estaba perfilando el que iba a ser su próximo disco y grabando un documental al respecto, finalmente el disco se guardó en un cajón, pero el documental por extraño que os parezca siguió en marcha y creo que ha acabado llamándose "One more time with feeling" donde el director Andrew Dominik nos muestra el drama familiar vivido. Habrá que verlo, sin duda será un artefacto increíble. Con el disco aparcado y desangrándose de dolor, Cave comienza a exorcizar sus demonios, a realizar terapia con su música y sus letras, y de ahí, de ese dolor y de ese intento por salir a flote salen las canciones de "Skeleton Tree" junto a sus compañeros, las Malas Semillas. 


Nick Cave and the Bad Seeds- Skeleton Tree (2016): 01.- Jesus Alone/ 02.- Rings of Saturn/ 03.- Girl in Amber/ 04.- Magneto/ 05.- Anthrocene/ 06.- I Need You/ 07.- Distant Sky/ 08.- Skeleton Tree.

En este disco, y más que ninguna otra vez, la presencia de Warren Ellis se hace vital, se hace imprescindible y para Cave se antoja necesaria, indispensable. "Jesus Alone" que es la encargada de abrir el disco fue también el adelanto, un adelanto triste, doloroso, asfixiante pero no falto de belleza, es un claro ejemplo del binomio Cave/Ellis. Un tema que nos lleva de camino al infierno, como si Cave se adentrara en él para buscar a su hijo y traerlo de vuelta, gritando a cada paso: With my voice I am calling you, with my voice I am calling you... Después del desasosiego creado sigue Cave sacando su dolor a pasear con "Rings of Saturn", un tema con aroma ochentero que incluso es agradable de escuchar, como pareciendo asumir lo sucedido mientras por su mente aparecen imágenes suyas junto a su hijo. Maravilloso tema de principio a fin al que le sigue el inquietante "Girl in Amber", tal vez mi favorito, con unos coros infantiles finales que ponen los pelos de punta. Tal vez la canción que define mejor el disco sea "Magneto": In love, in love, in love you laugh. In love you move, I move and one more time with feeling. For love, you love, I laugh, you love. Saw you in heart and the stars are splashed across the ceiling... En "Anthrocene" volvemos al tono de "Jesus Alone", donde parece no poder sacarse de encima los fantasmas del pasado/presente, mientras que la voz de Cave en "I need you" parece romperse en mil y un pedazos, parece ahogarse, parece desvanecerse. Sin duda, en mi opinión, el otro gran tema del disco por su carga emocional, por su dolor, su desesperación, por su belleza infinita. En "Distant Sky" escuchamos a un Cave intentando ver el primer rayo de sol detrás de las nubes negras, lo hace junto a la soprano danesa Else Torp. Celestial. Y cierra Cave con la canción que da nombre al disco, "Skeleton Tree". Un tema TOP, una maravilla, una dulce despedida con un precioso piano y con el corazón de Cave en continua hemorragia. Disco imprescindible de este 2016 no apto para todos pero que además de ser un tremendo ejercicio liberador y sanador de Cave, también lo es para nuestras almas. Tal vez, como le leí al gran Diego A. Manrique en El País esto debería canalizarse en un nuevo disco de Grinderman, potente, salvaje y lleno de rabia, yo pienso lo mismo, aunque de momento, esta nueva colección de canciones debe reposar y tomar aire. 



Quienes seguís este humilde blog sabréis de mi predilección por el humorista americano Louis CK, ya sea con su mítica y descojonante y realista serie "Louie" como con su rara y dramática "Horace and Pete" y por supuesto con sus escandalosos y nada correctos monólogos como el ya comentado en la Isla"Live at the Beacon Theater". Me faltaba ver uno de sus más aplaudidos espectáculos, su "Hilarious" del 2010, y gracias a Netflix (que es un filón para la comedia) pude al fin visualizarlo y reírme como hacía tiempo no lo hacía. Sin duda, lo mejor para mi ha sido la parte final donde cuenta sus experiencia como padre educando a sus hijas de tres y siete años, su convivencia en casa, el colegio, los padres de los otros niños, el no poder hacer nada sin que ellos estén... claro, eso de ser padre ha ayudado... pero todo el espectáculo es genial. Sé que a muchos les cuesta conectar con el rey del no humor, al que por cierto le copian por doquier pero sobretodo en este país de pandereta aunque nunca con buenos resultados. En fin, que Louis CK es el puto amo, e "Hilarious" un show imprescindible.

1."Intro / Dead People" 2:28
2."Being Single Again" 7:06
3."Hot Girls In Bars And Their Dude Counterparts" 4:42
4."Dumb Thoughts" 8:22
5."Currency" 5:42
6."Cell Phones and Flying" 11:24
7."The Way We Talk (Hilarious)" 8:50
8."Other People's Kids" 8:17
9."My 7-Year-Old Is Better Than Me" 6:22
10."My 3-Year-Old Is A 3-Year-Old" 10:41
11."Taking Sexual Inventory" 5:28


Vamos a ver...., por donde empiezo.... "Los odiosos ocho"....., me dormí!!! Eso, para una película de Tarantino es prácticamente fracasar. Como el film era de Quentin lo intenté al cabo de unos días, y qué queréis que os diga? no me dormí, no. Eso sí, me aburrí como una ostra. Claro que eso de llevar la etiqueta "tarantino" para mí realmente no significa nada, pues excepto sus dos primeros films (Reservoir Dogs, Pulp Fiction) y tal vez su pseudo-resurrección con "Django Unchained" (que tampoco) el resto de películas no me dicen nada, o sí pero desde luego no son para tanto. En estos "odisosos ocho" coge mucho de Django, muchos de sus actores repiten, toma la estética western (incluso los créditos crepusculares!), la música de Morricone (aunque luego recurra a Jack White y la Reina del Bombo) y divide (one more time) su historia en capítulos. La verdad es que es un film muy aburrido, incluso diría más: soporífero. Aquí encontramos todas las virtudes y defectos de Tarantino, y todas elevadas a la décima potencia. Hay buenos diálogos, inteligentes y ácidos, aunque menos que otras veces, hay violencia, como no, incluso sangre a mansalva, hay buenos personajes y demasiado metraje. Pero algo falla en el cocktail pues no acaba de gustar, las proporciones de los ingredientes no son las correctas. Falta acidez, eso seguro. Falta ese primer puñetazo alcohólico para luego deleitarnos con su pose. Tal vez el trago tan largo no le iba bien... No me ha gustado ni sus formas, ni su presentación. Tampoco claro está copiarse a sí mismo. Al final me resulta muy cansino. Resulta curioso todo esto que digo porque que yo sepa hacía mucho tiempo que las críticas no eran tan favorables y unánimes, pero (y de verdad, no es por hacer la contraria) a mi este film me ha parecido una chufla, claro que también me lo parece "Kill Bill" y la gente mata por ella. Seré yo? seguro. No me convence ese giro hacia la "matanza" aunque se agradece que pase algo, la sangre siempre es bienvenida pero Quentin abusa de ella, y sigue haciendo lo mismo que siempre pero sin gracia y creo yo con el piloto automático. No sigo porque me voy a repetir como el amigo Tarantino. Así lo dejo, medio enfadado medio decepcionado pero desde luego muchos encontraréis en "Los odiosos ocho" muchos motivos para seguir adorando al rey del corta pega, del roba ideas de Quentin disfrazando todo de homenaje barato, ya sea a "diez negritos" o a "la cosa".... en fin, que no creo yo que vuelva a ver este film en la vida. 

Hoy es el día elegido para retomar esta vieja y olvidada sección nikochiana que trata simplemente de tomar una canción y buscar algo que la haga especial cuando otro artista la retoma, no es fácil pero en ocasiones, no muchas, las versiones pueden llegar a superar al original. En el caso particular que nos ocupa no creo que llegue a superar a la canción original pero sí que la dota de una cierta magia y alma que sabe a gloria. Para reiniciar esta sección he elegido la mítica canción donde Federico Mercurio y David Robert Jones se marcaron un dueto de esos espectaculares y memorables, de los que no se olvidan, de los que dejan huella. Era una época difícil tanto para Queen como para el mismísimo Bowie. Para los Queen comenzaba una nueva era, la del "me llamo Fermín" con sintetizadores varios, donde obtendrían más fama que nunca pero jamás un disco tremebundo, de haber éxitos los había pero ya no había discos. Después de la infumable banda sonora para el film "Flash Gordon" (también de dudosa calidad), Freddie no es que saliese del armario (ya que nunca estuvo en él), es que se colocó las plumas por sombrero y junto a sus compinches firmó uno de los peores discos de una banda grande/decente, hablo claro del disco "Hot Space", que por lo único que se puede justificar es por la gigantesca canción "Under Pressure". A Bowie le iba algo  mejor, al año siguiente de este temazo sacó al mercado su superventas "Let's Dance" aunque después de eso salió el flojísimo"Tonight" y además se prodigaba demasiado en duetos y colaboraciones, a veces de dudosa calidad e integridad como artista. Dicho esto, "Under Pressure" es un temón, una canción POM se mire como se mire, y si alguien podía hincarle el diente, ese no es otro que....... 

Pinchar la foto para escuchar el tema original

.... pues, no puede ser otro que Ben Harper, y aunque muchos lo han probado, desde Annie Lennox a Eddie Vedder pasando por los semihombres de Keane, nadie ha conseguido llegar a los niveles místicos de ese californiano de piel cafeconlechada con voz de terciopelo. Ben Harper es un ser especial, un tipo genial con discos absolutamente demoledores como su "Fight for your mind" de 1995 o su "There will be a light" del 2004, el cual prefiero si os digo la verdad, pero donde destaca el bueno de Harper es con sus directos. Allí no hay ni trampa ni cartón, no me creéis? pues comprobadlo!


En honor a la verdad, una vez vista la nueva serie de Marvel de Netflix, Luke Cage, me cuesta mucho deciros que es lo que me ha gustado y lo que no me ha gustado. Vamos que tiene muchas de las cosas buenas de Daredevil tanto de la T1 como de la T2 o de Jessica Jones, pero también tiene los mismos defectos que aquellas aunque aumentados. Es un sí, pero sí aunque con peros. Me quedo con Daredevil. Esta claro? una vez la serie del superhéroe ciego explotó la maquinaria para explotar el producto se puso en marcha y parece imparable. Apareció Jessica Jones, que es, para decirlo de algún modo una serie más femenina, más adolescente y luego ha llegado Luke Cage, la serie de negros para negros, y ojo, no me interpretéis mal, no hay nada de malo en ello, por ejemplo la banda sonora y cameos de grandes como Charles Bradley o Sharon Jones (con su 100 days 100 nights que cierra la temporada) es de traca, lujazo!, pero claramente estamos ante un héroe negro, guapo, cachas, indestructible a ritmo de funk y rap, un Shaft 3.0..... y eso está muy bien, pero tiene su público que sí, y su público que no, Netflix así va engatusando a todo tipo de personas y nos tiene a todos en el bote, a algunos con todas sus series. Y ahora, a esperar la serie de Iron Fist (17 de Marzo de 2017) y por supuesto el mega crossover con todos ellos que sin fecha todavía llevará el título de "Los Defensores", sin olvidarme del spin-off del brutal The Punisher. Decía que no sabía que era lo que más me gustaba, pues sí, lo digo, la factura de la serie es impecable, la música.... y sobretodo... sobretodo....el nexo de conexión de todas estas series..., no, no son los superhéroes no, es Rosario Dawson. Por ella, má-to. Lo peor de Luke Cage es que todo el rollito ya lo hemos visto, bueno, algo parecido, y que los villanos no dan la talla, y un buen héroe se mide por sus villanos. Es Luke Cage una mala serie? para nada, es entretenida, disfrutable y palomitera en algunos momentos. pero podría haber sido mejor. 

LED ZEPPELIN (ROBERT PLANT SOLO)/ LED ZEPPELIN II (1969)/ RAMBLE ON

 

Hace cuarenta y siete años que el segundo disco de Led Zeppelin salía al mercado. Nada más y nada menos que un 22 de Octubre y con solo nueve meses de diferencia con su glorioso debut, su Led Zeppelin I que un servidor ya tuvo ocasión de destripar para el Exilio. Entonces contaba el origen de la banda, siempre algo tramposo, ya que como dije entonces una idea de Entwistle y Moon de los Who para formar un supregrupo con Jeff Beck, Nicky Hopkins y el propio Jimmy Page no llegó a buen puerto pero como siempre Page supo "robar" o tomar la idea prestada, como tantas otras veces, como en tantos otros riffs que acabaron en canciones zeppelianas, y unos meses más tarde aparecieron los Led Zeppelin con Page, John Paul Jones, Bonham y Plant. Y qué vamos a decir de ellos? probablemente la banda de hard-rock más grande que haya existido jamás de los jamases: excesivos, sexuales, rebeldes, problemáticos, orgásmicos..... lo tenían todo y ciertamente tienen una discografía envidiable: Led Zeppelin I, II, III, IV, Houses of the Holy y Physical Graffiti son para mi media docena de POMs indiscutibles, según el día o el mes prefiero una u otra. Siempre la pureza de su "I" me ha fascinado. Su crudeza, su blues por montera, su verdad...., pero poco a poco fueron creciendo y ampliando su paleta estilística, y claro, este "II" aunque parecido al debut tiene más de todo, no sé si mejor, pero más de todo, los riffs son más poderosos, más exquisitos, más contundentes e incluso me atrevo a decir que sus temas acústicos están muchísimo mejor acabados. El triunfo de su debut en realidad no lo fue tanto pues llegaron por primera vez al número uno de listas con este segundo trabajo que se fraguó durante la gira de presentación del debut, estando todas sus canciones creadas durante paradas, descansos y ensayos, aportando todos los miembros su toque, su sello, siendo por tanto el fruto de todos, y claro, por circunstancias las canciones se fueron grabando en diferentes estudios y la producción corrió a cargo de Jimmy Page quién, otra vez más (podríamos decir que ya es su sello particular) robó o tomó prestados todos (no se dejó ni uno) los trucos que había puesto en marcha Eddie Kramer quién había trabajado con Hendrix con unos resultados espectaculares. 


Tendríamos que hacer el ejercicio de situarnos mentalmente en aquel 1969. Entender el contexto musical, que se cocía en aquella época, qué discos y bandas reinaban. Estaba el "Abbey" de los cuatro fantásticos que ya habían partido peras y estaban al borde de la disolución, el "Todo el mundo sabe" de Tito Neil, la "máscara" del Capitán Corazón de Ternera, la "Cridens" por partida doble, el debut de CS&N, los imprescindibles directos de Elvis y Cash, el "Tommy" de los Who, el grandioso "Let it bleed" Stoniano, la belleza mística de Nick Drake con su "Five leaves left", ... Lou Reed madurando con la Velvet, la "corte" de Crimson, The Band, el disco country de BOB, el "Arthur" de los Davies... y así hasta el infinito y el más allá, pero desde luego, creo yo, que en cuanto a rock hoy entendemos, nada como lo de Led Zeppelin , en un año y por partida doble. Aquel debut dejó a medio planeta con la boca abierta y el culo prieto, y este segundo disco vino a decir que los Zepp ya estaban aquí, que no iban a abandonar el mundo y que además lo cambiarían para siempre.

Led Zeppelin - Led Zeppelin II (1969): 01.- Whole Lotta Love/ 02.- What Is And What Should Never Be/ 03.- The Lemon Song/ 04.- Thank You/ 05.- Heartbreaker/ 06.- Living Loving Maid (She's Just A Woman)/ 07.- Ramble On/ 08.- Moby Dick/ 09.- Bring It On Home.

El riff demoledor  de "Whole lotta love" abre el disco y ya nos deja en modo alucine hasta el final. Temón inconmensurable que redefiniría el hardrock, eso sí, como siempre son denunciados por plagio, esta vez por el señor Dixon quién gana y desde entonces aparece en los créditos. A pesar de esto la canción es de las que marcan época... desde la carcajada diabólica de Plant en los primeros dos segundos, pasando por el riff comentado, esa voz que pone los pelos de punta, la experimentación orgásmica hacia la mitad del tema y como vuelven al riff inicial de manera incendiaria. Después de la tempestad llega la calma. La calma y la belleza de "What is and what should never be" con sus acelerones y sus parones, con esos cambios de ritmo tan presentes en las bandas de los primeros setenta.... y hacia el final de la canción la guitarra de Page nos golpea el cerebelo y nos deja KO. Vamos sumando, temón tras temón y entonces llega "Lemong Song". Blues sucio acompañado de demanda, como no, esta vez por Howling Wolf. Una canción que demuestra el poderío y la calidad de todos los integrantes de la banda, mención especial para el bajo de John Paul Jones que es canelita fina. No podía faltar la megabaladita de los Zepp que luego en cada disco se harían imprescindibles. "Thank You" es una joya sideral, no sólo por como está interpretada por Plant, por esa excelente percusión, simplemente por todo todito, órgano mágico, voces de lejanas galaxias algo psicodélicas incluso hippiescas... con unos riffs acústicos de guitarra preciosos que nos indicaban que de los Zepp podíamos esperar grandes cosas y variedad de estilos como nos demostraron posteriormente en el "III". Para recuperarnos del bajón adrenalínico del disco nos obsequian con el riff eterno marca de la casa de "Heartbreaker", otro temón de esos que al parecer a Page le salían casi sin querer, pero claro, luego llega lo que llega, una de mis favoritas, el supersonido de los setenta con "Living Loving Maid (she's a woman)", un pelotazo mirando de reojo a la radio y que les consiguió presencia en las listas con cierta facilidad. "Ramble On" es mi tema del disco, uno de mis favoritos de Led Zeppelin, siempre me ha parecido un tema espléndido lleno de cambios de ritmo y con todos los ingredientes que caracterizan al cuarteto zeppeliano. Tiene esa magia ambiental que luego explotaron en el "IV", esa calma que nos lleva a la tormenta, ese momento acústico que estalla en mil chispas eléctricas. Un despiporrre de poderío. "Moby Dick" es otro de los temas, no del disco sino de su carrera donde la percusión es la estrella del tema, un lucimiento para Bonzo y lo digo con toda la tranquilidad sabiendo que de temas increíbles y esenciales tienen como para dar, vender y regalar. Para cerrar nos obsequian con "Bring it on home" que empieza como un blues pantanoso del Mississippi y acaba en locura hardrockera a la enésima potencia. Así pues la segunda aventura de larga duración de los Led Zeppelin los consolida como una grandiosa banda, los pone en primera división, los pone en la lucha por ser la mejor banda de rocanrol y que acabarían siendo después de que los Stones volvieran del Exilio y hasta la aparición de los Clash. Un largo reinado  lleno de grandísimos discos, ya lo dije anteriormente, media docena de POMS, una detrás de otra.


*Post aparecido originalmente en Exile SH Magazine por Nikochan

La decisión de Disney de repescar sus clásicos de animación y rehacerlos con técnicas modernas está dando su resultado, mil y un proyectos de carne y hueso que van desde Dumbo a La bella y la Bestia, pasando por el film que hoy nos ocupa, la adaptación de la mítica "El libro de la selva" de manos del director John Favreau quién ya se ha apuntado para hacer lo propio con "El Rey León". Estas nuevas versiones daban a priori miedito pero sin duda "El libro de la selva" (2016) ha sido una grata sorpresa, un film espectacular, muy bien realizado, que es pura magia para la chavalería. Mejor claro, como siempre, en versión original, pues así disfrutamos de las voces de Bill Murray (Baloo), Ben Kingsley (Bagheera), Idris Elba (Shere Khan), Lupita Nyong'o (Raksha), Scarlett Johansson (Kaa), Christopher Walken (King Louie).... Un despiporre sí, una delicia, un tesoro. La película es calcada a la original de animación, a excepción del destino final de Mowgli,  pero con un despelote de técnicas visuales y mil y un guiños a su mítica banda sonora original. Película fresca, mágica, bella, alucinante, todo un prodigio técnico sin olvidarse de la historia, del ritmo, de los personajes.... Tal vez, la versión definitiva de un clásico.


A principios de esta década Bob Dylan rescató unos manuscritos suyos de un cajón asociados a aquellas míticas sesiones con The Band, eran letras inacabadas, ideas desechadas, canciones enteras que no acabaron de gustar al minesotarra... porque las buenas se grabaron con The Band... y el bueno de Bob no sabía que hacer con ellas, o mejor dicho, no tenía ganas de hacer nada con ellas, al menos él, pero pensó que a lo mejor en manos de otros..... quién sabe? total, que se las dejó a su amigo T Bone Burnett para que hiciese con ellas lo que le viniese en gana, así que T Bone descolgó el teléfono y llamó a Costello, le explicó lo que tenía entre manos y la idea que se le acababa de ocurrir. El otro Elvis, aceptó, y pronto tenía las letras de aquellas canciones a las que había que dar forma, a las que había que musicar, terminar letras, etc.. etc..., pero esas letras llegaron también a manos de Jim James, Marcos Mumford, Taylor Goldsmith y Rhiannon Giddens... La idea era que escribiese cada uno la canción que le pareciese, donde la inspiración le llevase, la pusieran en común, la grabasen rapidito y saliese un gran disco, como así fue en 2014: "Lost on the River". Además del disco, buena parte del proceso de creación y grabación fue grabado, editado y publicado bajo el título "Lost Songs: The Basement Tapes" que es nada más y nada menos el rockumental el cual hoy os quería recomendar porque es brutal. Dirigido y guionizado por Sam Jones vamos descubriendo como se formaron las canciones del disco, como les dieron forma, y como, aunque eso ya lo sabíamos, Costello es el puto amo. Para rizar el rizo sale papá Bob a decir la suya, así que... qué más queremos? delicatessen rockumentera.


Series de detectives hay millones, series inglesas sobre policías atormentados miles y notables series inglesas de la BBC sobre detectives con pasados problemáticos y dolorosos unas cuantas, entre ellas, mi favorita es "Happy Valley" con dos temporadas ya comentadas (T1, T2), pero hay más, desde "Broadchurch" a "The Fall", pasando por, por ejemplo, "Luther", incluso "Whitechapel" todas ellas diferentes, todas muy inglesas, todas de calidad indiscutible. Volviendo a la BBC y al tema detectivesco llega a mis manos "River" de la BBC y emitida a través de Netflix, es una serie escrita por Abi Morgan (sí, la de la maravillosa The Hour y guionista de "Shame"), en ella nos narran las peripecias de John River, un detective maduro (casi a punto de jubilarse) con algún que otro problema mental, pues a veces o casi siempre ve muertos, ese sexto sentido le permite muchas veces resolver casos pero no estamos ante una serie fantástica ni mucho menos, lo que nos encontramos es un dramón, y su problema al ver muertos es de verdad una enfermedad terrible y temible que él sobrelleva como puede. A River le tocará investigar el asesinato de su compañera, un caso muy bien llevado por la serie que se complica y nos engancha a cada minuto transcurrido, no ayuda que dicha compañera hable a River desde la tumba pero como digo, todo está calculado y transcurre a la perfección. Nuestro River es el veterano actor Stellan Skarsgard, que por cierto lo borda con su interpretación, emocionando y convenciendo. Construyendo un complejo personaje, una actuación magistral. Ya digo, River, es una de esas miniseries inglesas que nadie debe perderse este año. 

WILCO/ SCHMILCO (2016)/ NORMAL AMERICAN KIDS

 

Recuerdan ustedes aquella secuencia de "La vida de Brian" donde se va a cometer una lapidación solo permitida a hombres y todos los lanzadores de piedras son mujeres con barbas falsas? pues así está el gentío con el nuevo disco de Wilco: disfrazados de fans y dispuesto a apedrearles. Un disco que hace un guiño, un gesto de complicidad a aquel maravilloso disco de Nilsson, sí, "Schmilsson" de 1971, un disco con un regusto similar o tal vez con un estado de ánimo parecido. Siempre con la sombra del buen amigo de Harry en la voz de Tweedy, porque, quién no ve o mejor dicho, escucha, a Lennon en todo este fantástico disco? Pero volvamos a la lapidación, volvamos a ella y a los estúpidos fans que quieren enterrar a, tal vez, la mejor banda de rock de los últimos veinte años, a esa banda que amaron tanto en la salud como en la enfermedad, tanto en el country-folk como en el ruidismo experimental, tanto en la beatlesque como en sus perfectos directos. A esos fans que creen tener la razón absoluta y el buen gusto por montera, a esos fans que ya pronosticaban que el bueno, el genio de Uncle Tupelo era Jay Farrar, que el talento en los primeros Wilco lo tenía en exclusica Jay Bennett pues "Being There" es muy suyo y que incluso al irse y ser "Yankee Hotel Foxtrot" el pelotazo inesperado que fue, decir que sin duda había dejado su huella... que los discos con Billy Bragg eran una pérdida de tiempo, que desde la llegada de Nels Cline esto va cuesta abajo.... Nada, que hay gente muy muy  negativa... Vamos a ver, que "The Whole Love" o este mismo "Schmilco" no son ni "Being There" ni "YHF" ni "A Ghost is Born"??? coño, pues claro que no lo son, ni tampoco lo son ni "Summerteeth" ni "Sky blue sky" siendo grandísimos, y mucho menos el 99% de discos de cualquier banda de los últimos veinte años, es que vamos, esa tripleta es descomunal. Es como decir que el "Some Girls" Stoniano no es "Sticky Fingers", pues claro que no lo es, pero joder, de decir eso a decir que la banda va a menos, que no es un discón, que Ron Wood es manco, que estaban acabados o que a la dupla Jagger/Richards se le acabaron las ideas es decir mucho, decir una barbaridad. No digo que Wilco sean los Stones (ni por asomo) pero para discutir al genio de Jeff Tweedy hay que ser cenutrio, porque Wilco es Tweedy y Tweedy es Wilco. Y qué cojones? qué le véis de mal al disco del gato, al de Star Wars? si fue un regalazo, allí había nervio, había espontaneidad, había muy buenas canciones. El único pero, podría ser el disco del "camello" donde sí van con el piloto automático pero joder, si lo hubiesen vendido como un disco de sobras de "Sky blue Sky" por ejemplo, nadie hubiese abierto la boca. Dicho esto, que me he quedado muy a gusto, tengo que decir que "Schmilco" sin ser "Being There" es un discazo, es como siempre algo que no esperábamos (eso parece incomodar a muchos), es un disco otoñal, una obra madura de Tweedy, la cara opuesta a "Star Wars", imaginad si hubiesen mezclado y escogido las canciones de ambos para sacar un solo disco, la leche!!! si acaso podemos reprocharles algo es eso, que últimamente no miden o sopesan todo lo que editan, pero....  joder, "Schmilco" es bueno, muy bueno, no entiendo a los talibanes del rock.... de verdad que no.


Wilco - "Schmilco" (2016): 01.- Normal American Kids/ 02.- If I Ever Was a Child/ 03.- Cry All Day/ 04.- Common Sense/ 05.- Nope/ 06.- Someone to Lose/ 07.- Happiness/ 08.- Quarters/ 09.- Locator/ 10.- Shrug and Destroy/ 11.- We Aren’t the World (Safety Girl) 12 – Just Say Goodbye.

A mi, del nuevo disco de estudio de Wilco, de su décimo disco de estudio, me gusta todo, hasta su fantástica portada obra del ilustrador barcelonés Joan Cornellà. No voy a ocultarlo ni a negar la evidencia, a mi este disco me gusta de principio a fin a diferencia de a gran parte del populacho que como he dicho, absurdamente, tiende a ningunearlo. Es claramente el polo opuesto a "Star Wars", más cercano en muchas ocasiones a "Sky blue sky" sobretodo en canciones como "If I ever was a child" y "Cry all day". Como siempre hay mucho Lennon en él, mucho muchísimo, cosa que me agrada porque John es uno de mis ídolos de toda la vida. El folki de "Normal American Kids", que es la canción encargada de abrir el disco, es simplemente una maravilla. Con la acústica por montera y la eléctrica gustándose en un segundo plano, mientras la voz de Tweedy nos mece suavemente. "If I ever was a child" es muy "Sky blue Sky", me encanta, es preciosa, no se puede negar lo evidente y el que no lo vea así, no es que deba ir al oftalmólogo no, es que debe ir al psicólogo o a un curandero porque tiene el alma como un guiñapo. Vamos a ver criaturicas, que le veis de malo a esta canción? y a mi favorita "Cry all day"? porque ésta es canelita, es más "Sky" o mejor dicho es más cómo recuperar aquel espíritu de "Yankee Hotel Foxtrot" y no morir en el intento; y así pues se completa la tripleta bonica del to, el acabose definitivo... Íntimo y personal pero para nada soporífero como dicen algunos, entonces llega "Common sense" y saca la cabeza la influencia lennoniana donde dejan de un lado lo bonico del to para probar ruidismos varios que a mi, por cierto, me siguen gustando. "Nope" es en esencia blusera, más canción marca de la casa que nos prepara para uno de los grandes temas del disco, hablo de "Someone to lose", un tema muy Wilco, muy Tweedy, muy de acojonarse, con las guitarras subiendo y bajando, y otra vez Lennon en el subconsciente. Ya en el ecuador del disco nos enseñan otra muestra más de su paleta de colores, "Happiness" es preciosa, melancólica y muy cercana a la aventura junto a su hijo, "Sukierae". Luego llega "Quaters" y nos vuelve a ofrecer folk de etiqueta antes de punkear un algo con "Locator, que es otra joyita, otro temón, una canción que bien vale un disco. Nos acercamos al final, primero con la muy muy muy Lennoniana "Shrug and destroy", después con la trotona "We aren't the world (safety girl)" que sin ser nada del otro mundo engancha de lo lindo, y finalmente, cierran magistralmente con "Just say goodbye" un disco que no revolucionará el mundo del rock, pues eso pasa en contadas ocasiones, pero que sí nos reafirma en eso de que Wilco son la mejor banda de los últimos años, vale, no siempre se crea un "Revolver", un "Sticky Fingers", un "Blood on the tracks", pero a veces sí un "Yankee Hotel Foxtrot", un "Being There".....  y Wilco de esos, tiene unos cuantos, tampoco es el caso de "Schmilco" aunque creo que el tiempo lo equiparará sin duda a sus mejores obras. 

Me ha gustado Sicario? sí, me ha gustado mucho. Me habían dicho que no, que no era para tanto pero yo so digo que sí, que es muy buena. Que es muy dura, que es incómoda, que es un thriller policíaco tremendo, que hay muy buenas actuaciones, que el director Denis Villeneuve hace un trabajo estupendo y no nos deja ni un segundo para evadirnos de una historia acojonante pues el guión es notable y la fotografía brutal, creo que nominada a mil y un premios que no ganó por competir con "Birdman" aquel año que arrasó en cualquier festival de nivel. El film narra la historia de la agente del FBI Kate Macer (Emily Blunt) quién es reclutada para formar parte de un secreto y selecto grupo de élite y luchar contra el narcotráfico. En el grupo nada es lo que parece, ni la gente que lo forma ni las intenciones aparentes. Me reconcilio en este film con Josh Brolin al que había llegado a odiar desde esa basura de los Coen llamada "Ave, César", y por supuesto es un gusto ver a Benicio Del Toro en acción. Está, como habitualmente él está, espléndido. La pega? tal vez el excesivo metraje, pero es más por decir algo en contra que por otra cosa, a mi no se me hizo larga pero me consta que a otra gente con buen gusto cinematográfico sí. Si podemos emparentarla o compararla con algo de nivel, eso sería "Traffic" pero en realidad son muy diferentes, me pareció mejor está última pero "Sicario" es muy recomendable si te va este tipo de cine. Y nada más, bueno sí, que la Blunt, además de guapísima sabe actuar y aquí lo demuestra a cada mirada, sus duelos con Brolin y Del Toro los gana con la gorra. 

En 2004 salió a la venta esta compilación de John Lennon en acústico, casi en pelotas, casi como ideó sus grandes canciones, y yo no lA había catado hasta hace unas semanas y desde luego os digo que estoy enamorado de muchas de las versiones que contiene. Dichas versiones no eran desconocidas para los fans pues la mayoría de ellas aparecieron en "John Lennon Anthology" y otras tantas en bootlegs varios desde hace muchos años pero aquí está todo muy bien compilado y presentado. Bonico del to, vamos. Desde la magnífica "Working Class Hero" uno se enamora nuevamente del arte de Lennon, del que nada ya vamos a descubrir que no se sepa. Un puto genio. Uno de los más grandes de todos los tiempos. Eso sí, vuelves a escuchar "Well well well" como Dios Lennon la trajo al mundo y se te eriza la piel, o una "God" más folki, o la maravillosa "Cold Turkey" o mi favorita "Watching the Wheels", que es un lujazo. Y qué decir de esas dos joyitas que son "Dear Yoko" y "Real love".... I wish you were here my dear John.....  Disco que se debe tener y paladear. 

John Lennon - Acoustic (2004): 01.- Working Class Hero/ 02.- Love/ 03.- Well Well Well/ 04.- Look At Me/ 05.- God/ 06.- My Mummy's Dead/ 07.- Cold Turkey/ 08.- The Luck Of The Irish/ 09.- John Sinclair/ 10.- Woman Is The Nigger Of The World/ 11.- What You Got/ 12.- Watching The Wheels/ 13.- Dear Yoko/ 14.- Real Love/ 15.- Imagine/ 16.- It's Real.


Robert Kirkman es el creador de The Walking Dead y también de la historia que hoy nos ocupa: Outcast. Ambos cómics han sido llevados a la pequeña pantalla, y mientras el primero goza de buena salud y prácticamente camina solo o junto a la serie paralela "Fear"; el segundo, Outcast, da sus terroríficos primeros pasos y aunque seguro que habrá segunda temporada no creo que ande muy lejos pues si bien el episodio piloto nos prometía una serie aterradora conforme avanza la historia parece que tenemos más de Buffy Cazavampiros que de El Exorcista.  No es que no me haya gustado Outcast es que en ocasiones me ha aburrido. Sí, así es, hay algo en ella que no acaba de gustarme, que no me atrapa, que me parece de lo más normal y poco original. Y no, no he leído el cómic ni pienso hacerlo así que los ultrafans dejen de usar la frasecita "el cómic es mejor", como en The Walking Dead o "el libro es mejor" como en Game of Thrones, cada cosa es lo que es, cada medio es el que es, y en esas, en la adaptación televisiva de Outcast creo que se podría haber hecho mejor trabajo, o no. Creo que al prota Kyle Barnes interpretado por Patrick Fugit (aquel adolescente de Casi Famosos) le supera el papel o el peso de llevar toda la serie. Además no me parece que esté demasiado bien secundado, por ejemplo Philip Glenister que interpreta al reverendo Anderson se le ve pasado de vueltas, sobreactuado por decir algo. Ya no digo a Brent Spiner (Sidney) que directamente me hace gracia en lugar de aterrorizarme. En pocas palabras la historia de unos demonios que se apoderan de los cuerpos de humanos para "el gran día" no es demasiado original, y que el prota pueda exorcizar a dichos humanos pues tampoco, que la historia se liará la manta a la cabeza con que es el salvador, o que él los guía... o lo que sea.. está muy visto. El piloto como digo es brutal, el resto de episodios pierde calidad a medida que nos acercamos al último episodio. No sé si veré la segunda temporada, con eso os lo digo todo. 

MICHAEL KIWANUKA/ LOVE & HATE (2016)/ LOVE & HATE 


El brillante y talentoso ugandés de adopción inglesa Michael Kiwanuka nos dejó con la boca abierta, el alma hecha añicos y el corazón en un puño con su precioso debut en 2012, su "Home Again" era una preciosidad, un disco de una belleza fuera de lo habitual con ese regusto al "Moondance" vanmorrisoniano por sus hechuras folk y sus vestidos instrumentales como la mágica flauta, además Ethan Jones era el productor, y su buen gusto y su buen hacer están fuera de dudas. Kiwanuka entregó un disco, como he dicho, maravilloso pero desde entonces su silencio comenzaba a ser preocupante y todos aquellos que disfrutamos (y amamos) su primer trabajo esperábamos como almas en pena el siempre difícil segundo disco, el que debe poner a cada cual en su lugar, el que debe llevar a un artista a su confirmación o hacerle entrar en el selecto grupo de hypes debuteros. Como digo, el caso de Kiwanuka era preocupante pues llevaba mucho tiempo en barbecho y la rumorología apuntaba a que Danger Mouse sería el productor de su nuevo trabajo, y no es que no sepa hacer su trabajo pues desde luego es uno de los grandes productores de hoy en día pero es que su influencia en los artistas es grandiosa, para bien o para mal, cambiando estilos e identidades, y aunque normalmente sale vencedor y sus trabajos son pura dinamita, en contadas ocasiones el tiro le sale por la culata, y el pastiche se nos sirve en bandeja de plata. "Love and Hate" sería el título de la ansiada continuación de "Home Again", su portada me pareció preciosa y el primer adelanto que pude escuchar "Black man in a white world" prometía y a la vez confirmaba que Danger Mouse ya había modelado a su antojo dejando fuera el folk bonico del to para vestir las canciones con modernidades varias, como dirían los Coen: si la cosa funciona...  


Michael Kiwanuka - "Love & Hate" (2016): 01 .- Cold Little Heart/ 02.- Black Man in a White World/ 03.- Falling/ 04.- Place I Belong/ 05.- Love and Hate/ 06.- One More Night/ 07.- I’ll Never Love/ 08.- Rule the World/ 09.- Father’s Child/ 10.- The Final Frame.

Las primeras críticas, opiniones o reseñas de "Love and Hate" no le dejaban muy bien, ni al disco ni a Kiwanuka, y a los expectantes seguidores nos dejaba algo fríos. Había gustado el single a pesar del cambio de tercio hacia modernidades más radiables por decirlo de algún modo. Mi primera escucha entera del disco también me dejó... frío no, pero algo preocupado sí, al compararlo con su anterior referencia, desde luego no me pareció un mal disco sino todo lo contrario, lo que pasa es que en ocasiones no es el momento adecuado. "Love and Hate" es un disco otoñal, no sé como explicarlo, creo que necesita de ese ambiente, de ese olor, de esa sensación.... y además las nuevas canciones necesitan una escucha sosegada y atenta, pues además de no entrar a la primera no son tan bonicas o redondas ( o sí, y no lo parecen de primeras), tan fáciles de escuchar, como las de su primer disco, eso sí, una vez conectas con el disco (que lo haréis a bien poco que lo escuchéis con atención) ya no puedes dejarlo, es y será uno de los grandes discos del año. La prueba de todo lo que digo es "Cold little heart", la canción encargada de abrir el disco, canción de diez minutos de duración que es un tesoro, un regalo, una delicatessen. Tema bello y nostálgico, tema maravillosamente producido, un tema que como decían creo recordar en Pitchfork es una extraña mezcla entre Isaac Hayes y Pink Floyd. Una locura? puede, pero si lo pensamos bien, cuadra. Atmósfera pinkloidaina y guitarra galáctica, calidez, belleza... y cuando entra Kiwa con su voz.... hay que cambiarse de ropa interior.... "Black man in a white world" tiene todo lo que Danger Mouse quiere y predica, tiene ritmo afroamericano, tiene soul, tiene gospel, tiene mensaje, tiene mucho feeling, tiene eso que debe tener todo buen single. "Falling" me pone los pelos de punta, con esa estructura que me recuerda (que no la voz ni otra cosa) al "Everyday Robots" de Albarn, no sé, tiene algo de aquello, de aquella melancolía del futuro. "Place I Belong" tiene ese soul a lo Marvin Gaye, es puro setenta, es sexi, es sudoroso, es algo funki, algo de Mayfield? no sé, hay muchas referencias allí metidas, nada nuevo pero todo bueno. Llegamos al ecuador del disco con la canción que da nombre al disco, "Love & Hate" es fantástica, un regalo musical de siete minutos de duración, un temón, qué cojones!. Un despiporre de calidad, de voz angelical, arreglos celestiales y coros infecciosos de otro mundo. Una maravilla, para qué decir más. "One more night" tiene el sello Danger Mouse, si la tocasen los últimos Black Keys no nos parecería nada extraño, y "I'll never love" es esa canción que echábamos de menos y que conecta con el disco anterior aunque con otros ropajes, creo que en cierto modo mejores. "Rule the world" sigue esa senda más folki, más de cantautor que parecía haber dejado olvidada, una balada preciosa y remata la faena perfectamente con "Father's child" que es una de mis favoritas del disco con esa entrada tan "stevie", ese bello piano circular, esa percusión tan afro, y los increíbles arreglos orquestales. Para cerrar Kiwanuka se guarda otro as en la manga, hablo de "The final frame", que tiene una guitarra de esas que te dejan en cueros y una voz sensual que nos pone todo de punta, pelos incluidos. Para finalizar quería decir sólo una cosa, dejaros ya de puñetas, "Love & Hate" es un discazo en toda regla, en mi opinión superior al bello y sorprendente debut. Para un servidor es un claro candidato a estar entre los mejores a final de año. Dicho queda. 

Mejor película en el festival de Sitges del año pasado. Nada más que decir. Tenía que ver "La invitación" sí o sí. Y hace unos días sin saber ni querer saber nada de su historia me acomodé en el sofá, y en penumbra y soledad me dispuse a dejarme llevar durante la hora y media de su metraje. Durante la primera hora de la película no paraba de preguntarme como había podido ganar el premio a mejor película de tan prestigioso festival, la respuesta? su última media hora. Antes que el film explotase, (tarde, pero mejor eso que nunca) la directora Karyn Kusama marca el ritmo (lento), y la ambientación (tensa, paranoica y claustrofóbica). Pareja destruida y separada por la muerte de un hijo, dos años después la mujer con su nueva pareja y residiendo en la misma casa que en su anterior matrimonio, decide realizar una cena con grandes amigos pasados y como no, también invita a su ex-pareja y su nueva novia.... No cuento más....  La tensión se corta, algo pasa y es algo gordo, pero parece que solo nosotros y nuestro protagonista, Logan Marshall-Green (alguien se ha dado cuenta que es clavaíco a Tom Hardy??), tenemos la mosca detrás de la oreja.... todo explota sí, muy tarde y después de desvelarnos casi todo.... casi, he dicho, pues ese final de la lucecita roja está francamente bien... no digo más, aunque me muera de ganas de explicar. Un film en mi opinión algo decepcionante, pues me esperaba más, mucho más, de la mejor película de Sitges 2015, pero así estamos. Interesante, tenso, malsano y.... finalmente, violento.

01.- Abattoir blues/the lyre of Orpheus (2004)
02.- Let Love In (1994)
03.- The Boatman's Call (1997)
04.- Dig, Lazarus, Dig (2008)
05.- Push the Sky Away (2014)
06.- Skeleton Tree (2016)
07:- No more shall we part (2001)
08.- Fromher to eternity (1984)
09.- Tender Prey (1988)
10.- Murder Ballads (1996)

Llevo unos cuantos días en el universo Cave. Su doloroso y sangrante disco de este 2016 se va haciendo con mi alma poco a poco, es el disco aparecido después de la muerte de su hijo de 15 años al caer desde un acantilado en Brighton (donde residen los Cave) al tomar un poquito de LSD jutno a un amigo. Duro golpe para Cave, tremendo batacazo difícil de digerir, pero Cave lo intenta de la única manera que sabe o puede, mediante canciones. Antes de todo esto, un año antes de la muerte de su hijo, Nick Cave nos dedicó un tremendo rockumental del que hoy os quería hablar, su versión particular del "Being Mick (Jagger)", y digo particular porque Cave lo es y mucho. Aparentemente el documental dirigido por Iain Forsyth y Jane Pollard narra unas 24 horas (ficticias) de Cave grabando canciones del que fuera su disco "Push the Sky Away", visitando al psicólogo, conduciendo por Brighton, comiendo con colegas/amigos como Warren Ellis.... etc, etc... Es un documental crudo, realista y muy original, no exento de humor, sobre un gran artista, tal vez una de las últimas grandes estrellas del rock. No os digo más o sí, hay que verlo, sí o sí.


Pensaréis que estoy loco si os digo con toda convicción que "Juego de Tronos" ha destrozado a HBO. Se ha forrado como nunca, o como siempre, pero en el proceso han perdido identidad, han perdido un poco (tampoco nos alucinemos) de ese sello exclusivo de calidad, aunque tampoco nos engañemos, es y será una de las grandes, y por otro lado la competencia ha subido el nivel muy mucho, cosa de lo que deberíamos congratularnos, Netflix y AMC crecen sin cesar mientras HBO duda y se tambalea. Están dando una de cal y otra de arena, tenían "True Detective" que jodieron con una segunda temporada (T2) sonrojante, tienen la sobresaliente y dificilísima "The Leftovers" ( mi favorita, sin duda), y "Vinyl" que quería ser más de lo que era, y a mi me encantaba, pero que ha sido cancelada. Ahora su proyecto más potente es "Watchmen"... , "Big little lies" con la Kidman, y sobretodo "Westworld" con Anthony Hopkins..... Mientras, toca escarbar en su miniseries, siempre fantásticas, y de ellas destaca una por encima de todas, una que ya a simple vista llama la atención por su protagonista. Por contar con John Turturro que ya os digo que está inmenso, como es habitual.. "The Night Of" es una maravillosa y adictiva miniserie criminal de ocho episodios de más o menos una hora de duración cada uno, aunque el piloto y el final se alarguen algo más. Basada en la serie británica "Criminal Justice", Steve Raillan y el gran Richard Price cuentan la historia de Nasir Khan  (magníficamente interpretado por Riz Ahmed), un estudiante top musulmán que es invitado a una fiesta pero el plan le falla y decide "coger prestado" el taxi a su padre, no llega a la fiesta, recoge a una linda señorita y después de alcohol y drogas, se despierta con la chica muerta debido a tropecientas cuchilladas, huye y es detenido... El caso acaba en manos de un abogaducho (Turturro) y....  ya no cuento más. "The Night Of" era un proyecto de James Gandolfini que finalmente ha visto la luz, con un Price que da un aroma y un ritmo muy a lo "The Wire", actuaciones gloriosas y esencia HBO a tope, y ese maravilloso paralelismo entre Naz y el gato..... Sin duda esta "The Night of" es una de las grandes serie que uno tiene que ver este 2016. Larga vida a HBO!!!! 

NICK CAVE AND THE BAD SEEDS/ ABBATOIR BLUES-THE LYRE OF ORPHEUS (2004)/ BREATHLESS