Dispuesto a celebrar el Último Vals que se celebrará este fin de semana en la ciudad de Frías (Burgos) con un festival y un cartel de auténtico lujo en el interior de un espectacular castillo medieval me gustaría hablar un poco de lo que fue aquel "The Last Waltz" en el mítico Thanksgiving day de 1976. Ese día estaba programada la despedida de The Band, el encargado de filmar todo aquel espectáculo, aquella celebración de la música, no era otro que el genial Martin Scorsese, quién sin duda dejó para la posteridad el mejor y más grande documento visual del rock, el soul y la grandeza de unos artistas. El lugar elegido fue el mítico Winterland Ballroom de San Francisco y además de The Band: Robbie Robertson, Rick Danko, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel; acudieron amigos y artistas grandiosos como Paul Butterfield, Bobby Charles, Eric Clapton, Neil Diamond, Dr. John, Bob Dylan, Emmylou Harris, Ronnie Hawkins, Alison Hormel, Bob Margolin, Joni Mitchell, Van Morrison, Pinetop Perkins, Dennis St. John, John Simon, Cleotha Staples, Mavis Staples, Roebuck "Pops" Staples, Yvonne Staples, Ringo Starr, Muddy Waters, Ron Wood, y Neil Young. Otros no estuvieron pero deberían haber estado aunque su espíritu si acompañó y por eso aquello tuvo una atmósfera mágica, muy especial y única. 

The Last Waltz (Film): dirigido por Martin Scorsese y estrenado en 1978, es sin duda uno de los más grandes documentales musicales de la historia, sino el mejor. Como única pega la que comentó años más tarde Levon Helm, que Scorsese se centró demasiado en la figura de Robertson, el resto es sublime. El propio Robertson se encargó en 2002 de reeditar el concierto y sacar una caja recopilatoria de cuatro discos que incluía canciones inéditas. El documental intercala las actuaciones con entrevistas y tomas en el estudio, 


The Last Waltz (Album): triple álbum que incluye las canciones del documental, las canciones del concierto están presentes en los dos primeros discos y parte del tercero, reservando la segunda cara de éste para unas composiciones de Robertson grabadas en la Metro-Goldwyn-Mayer. En 2002 salió la cajita con extras como una versión de "Caldonia" por Muddy Waters, otra de "Rag Mama Rag", "Acadian Driftwood" donde cantan Neil Young y Joni Mitchell, "W.S. Walcott Medicine Show" y la canción que cierra el concierto, "Don't Do It". De todas maneras esta boxset sigue sin ser la definitva pues faltan algunos temas como "Georgia On My Mind", "Chest Fever", "King Harvest (Has Surely Come)" y "Evangeline".

1. Theme From The Last Waltz/ 2. Up On Cripple Creek/ 3. Who Do You Love/ 4. Helpless/ 5. Stage Fright/ 6. Coyote/ 7. Dry Your Eyes/ 8. It Makes No Difference/ 9. Such a Night/ 10. The Night They Drove Old Dixie Down/ 11. Mystery Train/ 12. Mannish Boy/ 13. Further on Up the Road/ 14. The Shape I'm In/ 15. Down South in New Orleans/ 16. Ophelia/ 17. Tura-Lura-Lural/ 18. Caravan/ 19. Life is a Carnival/ 20. Baby Let Me Follow You Down/ 21. I Don't Believe You/ 22. Forever Young/ 23. Baby Let Me Follow You Down/ 24. I Shall Be Released/ 25. Last Waltz Suite: The Well - Evangeline - Out of the Blue - The Weight - The Last Waltz Refrain - Theme From The Last Waltz.




 PROGRAMA DE "EL ÚLTIMO VALS DE FRÍAS": homenaje a THE BAND
1-2-3 Julio 2016
Lugar: Plaza de Armas del Castillo de Frías (Burgos)

VIERNES 1 de julio 2016

Copernicus Dreams
Frank
Danny And The Champions Of The World
Still River

SÁBADO 2 de julio 2016

The Walnut Co.
La Gran Esperanza Blanca
The Fakeband-tocando el Último Vals con invitados-
Bantastic Fand
Zimmerband


El Último Vals Frías 2016. El contra-Fest, artículo editado en EXILE SH Magazine

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Me habían recomendado "American Crime" por activa y por pasiva pero yo, tonto de mi, me resistía. Necesitaba una serie así, necesitaba un drama en toda regla, necesitaba dolor y agitar nuestros pensamientos, nuestra moral. "American Crime" logra todo eso y más. Es dura y crítica con la sociedad como hacía tiempo ninguna serie lo era. Es directa, es incómoda y es real. La serie parte de un crimen a una pareja blanca de clase media. Aparentemente el crimen lo realizan ilegales, personas de otra raza y cultura. Varias personas son detenidas, en mayor o menor medida están implicadas en el asesinato, finalmente los implicados son una pareja, él negro y ella blanca, ambos yonkis. Nada es lo que parece o sí, ni ellos son tan malos (puede que ni sean los culpables...) ni la pareja agredida es tan perfecta como se comenta... Y no quiero explicaros nada más. La sociedad se vuelca con un caso racial que estalla en la comunidad, las familias se resquebrajan y todo..., todo acaba en una tragedia.... porque nada funciona como debería funcionar, ni siquiera la justicia. Sobre el papel, como habéis leído, parece una serie más, un aserie sobre algo ya visto mil y una veces, pero la forma de contarnos la historia es excelente así como sus interpretaciones, y de esas me gustaría destacar la de Timothy Hutton y Felicity Huffman. Otra buena noticia es que hay temporada dos ya emitida y una tercera en marcha. Más casos para remover consciencias, en la segunda temporada que veré próximamente un tema peliagudo, el de un abuso sexual en menores, me dicen y cuentan que aún es mejor que la primera temporada, ya os contaré. 
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BOB MARLEY & THE WAILERS/ CATCH A FIRE (1973) STIR IT UP 

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Al hijo de la afro-jamaicana Cedella Booker y el capitán inglés de los Marine Reales Norval Marley le esperaba una vida inimaginable, desde luego nadie hubiese apostado ni un céntimo porque aquel bebé mulato nacido el 6 de Febrero de 1945 en Nine Miles, Saint Ann Parish (Jamaica). Robert Nesta Marley Booker pasó una infancia dura pero a través de sus ojos se veía el mojo, la magia, pues él era especial. Sus inicios como digo fueron durísimo como bien nos cuentan en el magnífico documental "Marley" del 2012. El director Kevin McDonald nos lo explicaba con pelos y señales: Su padre, un capitán del ejército más blanco que yo, le abandona sin miramientos, su marginación por ser mulato, su traslado a Trench Town, su rastafarismo, sus inicios musicales, su llegada a London, su fichaje por Island, la desbandada de los Wailers, su éxito rotundo, su paternidad, su éxodo, su enfermedad… curiosa la herencia genética que le dejó papá Nesta, un puto cáncer de piel que acabó con su vida y que en aquel documental cuentan con delicadeza pero sin omitir nada, desde su traslado para obrar el milagro a una clínica de Alemania, la caída de las rastas y esas imágenes de la sombra que el otro Bob fue un día volviendo para morir en su amada Jamaica. "El dinero no puede comprar la vida", dice la leyenda que le dijo Marley a su hijo Ziggy en el último suspiro que le quedaba. El otro Bob nos dejaba un legado de canciones inigualables, un buen puñado de obras maestras musicales que todavía hoy suenan frescas, discos considerados independientemente del género musical obras esenciales. El único y genuino artista global, el ejemplo claro de lo que significa tener "el mojo", la magia, el estar tocado por una barita. Su música, sus canciones, siempre estarán ahí para llegarnos al alma, su espectacular y sobresaliente obra: “Soul Rebels” (70), “Catch a fire” (73), “Burning” (73), “Natty dread” (74), “Exodus” (77), “Kaya” (78) de la que en el Exilio queremos dejar constancia. Ya apareció por esto lares su obra magna, su POM que dicen algunos, su mágico "Exodus" que contiene una de las mejores "caras B" de la historia, pero claro, hoy no vengo a hablar de aquel disco sino de mi favorito, del disco que le abrió puertas y tendió puentes, su quinto disco pero el primero con Island.

"Catch a Fire" es ese disco que todo el mundo debería tener grabado en su cerebelo. Es sin duda uno de los cien mejores discos de la historia. Una Puta Obra Maestra. Bob y The Wailers. Unos Wailers que comenzaban a estar en pié de guerra, unos Wailers que después de aquello comenzaron a desquebrajarse, a quemarse (sobretodo en Burning). Durante la gira Londinense del disco que hoy nos ocupa los Wailers se cansaron: de no cobrar, de pasar frío, del excesivo protagonismo de Bob..., y Bunny dejó la banda aunque tuvo sus idas y venidas, después de "Natty Dread" se fue definitivamente y al poco lo hizo el señor Tosh. De entrada "Catch a Fire" fue un fiasco se mire como se mire, y puede que después de "Burning" y las versiones de mano lenta Clapton en su "461 Ocean Boulevard" abrieran los ojos al público y sobretodo a la crítica, desde entonces todo lo que tocaba se convertía en oro, al menos en lo musical, con todo lo aprendido parió solito "Exodus", ya a su aire, y rozó la perfección, nos llevó al paraíso pero en "Catch a Fire" había esa adorable imperfección, había una gran banda, un grupo de amigos creando magia. Estaba esa sección rítmica de otra galaxia que definió la música reggae, estaba Bunny Livingston y sobretodo estaba Peter Tosh, tres grandes voces, tres grandes compositores y tres grandes personalidades, pero por encima de todo había grandes canciones y cono no, esa mítica e icónica portada.


Catch A Fire de 1973 es una verdadera joya, un viaje por el tiempo por la Jamaica opresiva, por la lucha contra el poder con unos Wailers en estado de gracia y un Bob Marley aún tímido e inconsciente de su propia calidad. “Concrete Jungle” abre el disco con esa intro lenta y envolvente, poniéndonos en situación, transportándonos a un estado casi místico, abriéndose paso con ese ritmito caribeño para no abandonarnos en todo el disco.“Slave Driver” con unos coros impresionantes, acojonantes diría yo, se te mete en el hipotálamo y te deja fuera de combate. Pura magia. Hay que dejarse llevar, esto con un poco de "hierbita" es la bomba... se te va la cabeza, el cuerpo se balancee.... catch a fiiiiiire.... Es el momento de Tosh con dos composiciones suyas donde toma absolutamente el mando: “400 Years” y “Stop The Train”. La primera sigue las pautas de las canciones de Marley, marcando las bases del nuevo reggae, y la segunda nos deja entrever esa faceta más pop, más comercial que vendría en sus siguientes trabajos, en cualquier caso ambas son absolutamente geniales, y Tosh con esa magnífica voz, una voz muy pero que muy diferente, pero peor?, no lo creo, en este momento la lucha de poderes estaba al 50%, ganó Marley, pero Peter manco no era; y para cerrar lo que vendría a ser la cara A encontramos“Baby We’ve Got A Date (Rock It Baby)” con un ritmo pop-caribeño bellísimo y unos coros con Rita al frente que quitan el hipo, asombrosa.

El único single incluido en Legend, “Stir It Up”, es el encargado de abrir la cara B, amén. Poco que decir. Simplemente es magia, es orfebrería pura. Hace un tiempo la escuchaba mientras un gigantesco sol anaranjado se escondía en Santorini.... resultado? me enamoré de la Isla y de esta canción. "Kinky Reggae" es puro Marley: ritmo en el cuerpo, sucio y perverso pero manteniendo la dulzura, una de mis favoritas junto a "Slave Driver". “No More Trouble” es una pequeña obra maestra que nos enseña todo lo que Marley será capaz de hacer. Cierra esta descomunal POM “Midnight Ravers”, un gran final para un disco gigantesco. En la edición especial se añaden dos bonus tracks grabadas en la misma sesión “High Tide Or Low Tide” y “All Day All Night” que no desentonan y que hubieran podido estar en cualquier otro disco del rey del reggae. Marley con este disco abrió la puerta del reggae al mundo, influyó en muchísimos artistas y generó muchos movimientos musicales, sin ir mas lejos la base del Punk es puro Reggae, y no lo digo yo precisamente, lo decía el mismísimo Joe Strummer (al leer este nombre por favor levantaros y hacer una reverencia después de santiguaros), y claro “Cath A Fire” a pesar de los éxitos que le siguieron es sin duda su mejor disco, su obra mas pura, menos inglesa, menos comercial, pero mas disfrutable y auténtica. Uno de mis discos, uno de esos discos, una POM, uno de mis clásicos nikochianos.

Bob Marley and The Wailers - "Catch a Fire" (1973)
10/10
01.- Concrete Jungle/ 02.- Slave Driver/ 03.- 400 Years/ 04.- Stop That Train/ 05.- Baby We've Got a Date (Rock It Baby)/ 06.- Stir It Up/ 07.- Kinky Reggae/ 08.- No More Trouble/ 09.- Midnight Ravers. Bonus track: 10.- High Tide or Low Tide/ 11.- All Day All Night




*Post aparecido originalmente en Nikochan Island por Nikochan
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En nuestros días es imposible escapar a los superhéroes. Son una plaga más que una bendición. Mil y un productos y más de la mitad sin la calidad suficiente. Los primeros X-Men sí la tenían, los de Brian Singer, desgraciadamente la saga se fue al garete, y a partir de entonces proliferaron como cucarachas las series y películas sobre seres con superpoderes, casi todas ellas  con el único propósito de amasar dinero sin importar la calidad del producto final. Como digo Brian Singer dejó a los mutantes y estos se resintieron, después de otra películas, de spin-offs y sobre-explotación de Marvel, Singer retoma a los mutantes con el rabo entre las piernas pues nada de lo que hizo tuvo éxito. "X-Men: días del futuro pasado" no es para nada un mal film. Es una más que notable película de ciencia-ficción, una vuelta de tuerca más al universo mutante con un plantel de actores que sobre el papel es estelar: Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Ian McKellen, Patrick Stewart, Ellen Page, Shawn Ashmore, Omar Sy, Peter Dinklage, Evan Peters, Halle Berry,  Anna Paquin, James Marsden, Kelsey Grammer, Brendan Pedder....  Y bueno, la historia no es nada original pero se deja querer: futuro apocalíptico para los mutantes que envían a Lobezno al pasado para cambiar el futuro..... ya lo he dicho, más visto que los tebeos.... pero sorprendentemente la cosa funciona y el ritmo no decae. Claro, no es "Casablanca", pero es una buena elección para ver y pasar el rato sin hacer funcionar ninguna neurona, pues por no haber no hay ni poso social ni ético. Eso sí, después de la interesante "Primera generación" y esta ""Días del futuro pasado" la saga se ha relanzado con "Apocalipsis"que no he visto y no sé si veré, y una serie que creo llegará a final de año, así pues tendremos mutantes hasta en la sopa. Deben pensar, si funciona... porque hacer otra cosa?... pues para no indigestarnos....que el mercado de superheroes comienza a estar muy saturado. X-Men: días del futuro pasado (2014), no está mal, es palomitera y se deja ver con su ritmo frenético y sus efectos de lujo. 
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La adoración hacia el padre es común durante la niñez y siendo niños vemos a nuestro padre como un gran héroe, un modelo a seguir. A medida que vamos creciendo esa veneración en muchas ocasiones disminuye y se centra en otras figuras familiares y de amistad. Bob Dylan es nuestro padre familiar/musical y lógicamente nuestro amor por él y por todo lo creado sobrepasa límites y es de difícil explicación. Siempre le hemos querido y siempre lo haremos, pero en nuestro camino a la madurez (musical) fueron apareciendo nuevas figuras, nuevas sensaciones como los amiguetes gamberros (Clash, Who), los irónicos (Kinks), los cachondos y simpáticos (Beatles) o los salvajes y peligrosos (Stones).... pero hay una figura que siempre se mantiene impertérrita y siempre, siempre, está en nuestros pensamientos. Esa figura es la de el Tío enrollao, al que adoramos como a nuestro padre pero que tiene ese toque gamberrete de colegas, y ese, ese es nuestro Tito Neil. Desde hace bastante tiempo he llegado a la conclusión de que Neil Young es el más grande entre los grandes. Durante décadas ha sacudido conciencias y firmado obras maestras. Y cuando digo décadas me refiero a los últimos 50 años, medio siglo regalándonos una joya tras otra ya sea con Buffalo Springfield, con CSN, con los Crazy Horse o ahora con los jovencísimos Promise of the Real. El lunes en el Poble Espanyol fue mi bautismo. Fue la primera vez que pude gozar de su directo y francamente me ha impactado.


A sus casi 71 años Neil Young está más en forma y más inspirado que el 90% de músicos. Ya no hablamos de sus coetáneos que a su lado parecen momias, vejestorios que no son ni la sombra de lo que eran. Discos como "Montsanto Years" serán recordados como grandísimos trabajos dentro de unos años, y eso que en esta gira pasó de ese nuevo cancionero olímpicamente, pero así es nuestro "Tito", va a su bola. La banda Promise of the Real liderada por Lukas Nelson le ha rejuvenecido, como en el "blues del vampiro", Young absorbe la energía de la chavalería que por cierto cumplen de sobras y aportan una calidad increíble, se le ve disfrutar junto a ellos, y por supuesto los jovenzuelos no pueden tener mejor maestro, ni pueden hacer un "máster" mejor que girar con el más grande. A pesar de todo esto, y como viene siendo habitual en la actual gira, Neil Young sale sólo al escenario, para abrir con un primer set acústico que más o menos ha sido igual en casi todos los conciertos y que da pistoletazo de salida con "After the gold rush", una de mis favoritas de siempre, y seguidamente caen tres joyas más: Heart of gold, Comes a Time y The Needle and the Damage done... y un servidor levitando y frotándose los ojos, pellizcándome para saber si era real o todo era un sueño. "Mother Earth" fue el primer punto y aparte, una misa al órgano y todos comulgando. Amén. 

A partir de este momento se conecta a la luz, se enchufa. Sale la banda y comienzan las hostilidades eléctricas, al principio más modositas y luego directamente a latigazos. La segunda parte del set, ya con la banda en el escenario, comienza con las magníficas "Out of the weekend", "From Hank to Hendrix" y "Human Higway", y a medida que avanzamos y la noche cae encima nuestro los temas se hacen más y más largos... Precioso el "Someday" de Tito Neil (piel de gallina, con este tema me emocioné de verdad...), y el placer inmenso llega cuando nos regala su "Unknown Legend" y sobretodo "Alabama"..... con la que tenemos la certeza de estar ante una noche memorable. "Words" es la encargada de abrir la tercera parte del set. Alargada hasta el infinito y más allá, con solos de guitarra y tormenta eléctrica.... y entonces, llega "Winterlong" y somos felices, y más aún con "Love to burn" y "Mansion on the hill"... para nada nos acordamos de los Crazy Horse pues estos jovenzuelos son la ostia, le vienen a Tito Neil como anillo al dedo.... qué energía, qué calidad, qué temple! "Revolution Blues" (perfecta) y "Western hero" (más acústico de lo esperado) nos preparaban para la traca final. Primero con la excelente "Vampire blues" que no esperaba se tocase en este concierto, y como no, el final con la grandiosa "Rocking in the free world" con la que parecía que ni Neil ni nadie quería marcharse del Poble Espanyol, alargando el tema y retomando el estribillo una y otra vez para que los presentes gritásemos a pechopalomo y con el puño en alto aquello de "Keep on rockin' in the free world, Keep on rockin' in the free world…". Con este tema se marcharon del escenario para volver al minuto y regalarnos la última joya de la noche, un "Cortez the Killer" que sonó a gloria. 

Al fin pude ver al más grande (con permiso de Papá Bob). Al fin pude ser arrollado por su energía vital, su remolino eléctrico, por su voz rota en mil pedazos. Un concierto que no olvidaré. Gracias señor Young.
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La primera temporada de "Fear the Walking Dead" me decepcionó bastante. Vale, ya no había factor sorpresa, ya sabíamos qué pasaría. Más aún con el referente de la serie madre, "The Walking Dead" que con la nada despreciable cifra de seis temporadas comienza a dar signos de fatiga, de repetición, de no saber qué hacer, ni por donde tirar, ni a quién aniquilar. Tal vez por eso un servidor pensaba que esta "fear" podría darnos sangre nueva, más acción... pero más o menos sigue los mismos patrones pero con acento texmex. No me acaba de gustar el casting, con dos temporadas y aún no me he encariñado con ningún personaje, o lo que es peor, tampoco odio a ninguno!. El ritmo es plomizo y las situaciones algo vistas. A veces como público pecamos de compararla, y no entendemos que aunque nosotros somos unos expertos en "caminantes" esta gente empieza ahora a saber de que va la cosa, son inexpertos y descubren truquitos que Michonne, Rick y compañía ya nos han mostrado,. Les cuesta matar a los zombies, les cuesta dejar a alguien de lado, les cuesta matar a humanos.... pero de golpe, e incomprensiblemente si es que seguimos la historia de esta "fear", se envalentonan y comienzan a matar sin ton ni son... y bueno, se han saltado los pasos éticos y de moralidad que los personajes de la serie madre sí tienen o tenían. Me ha gustado? no demasiado. La miro pues me interesa saber que pasará pero me sabe a refrito, a falto de ideas, a exprimir la gallina de los huevos de oro. Por eso, espero y deseo que la "Outcast" de Robert Kirkman sepa jugar sus bazas y darnos mucho miedito. 
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IGGY POP/ POST POP DEPRESSION (2016)/ SUNDAY 

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Nunca hubiese apostado que a mis casi cuarenta años y a sus casi setenta, James Newell Osterberg Jr o lo que es lo mismo Iggy Pop me dejase de pasta boniato con un nuevo trabajo. De la tripleta mítica formada por la Iguana, el Camaleón y el Animal del rock'n'roll, siempre me ha parecido que cojeaba por le lado de Iggy pues Bowie y Reed me parecen genios absolutos. Sus tres primeros discos con The Stooges, no tendremos en cuenta su retorno que no estaba mal todo sea dicho, me parecen estupendísimos, sin decir nada que no se sepa ya, creo que son tres POMs de la época, sobretodo el mítico "Raw Power". Donde le veo las pegas a Iggy es cuando nos centramos en su carrera en solitario que a excepción de los trabajos con Bowie: "The Idiot" y "Lust for Life", ambos de 1977, me dejan bastante indiferente. Salvando como muy  mucho el siguiente "New Values" del 79, "Brick by Brick" del 90 y como no "American Caesar" de 1993. La calidad no se le discute como tampoco su irregularidad, y su cansino culto al cuerpo, despelotes y mamarrachadas que a mi personalmente me sobran. Ya sin Lou y David en nuestras vidas, el bueno de Iggy parece también despedirse con este nuevo disco, disco que por cierto tiene un regusto brutal al Camaleón, es pura esencia Bowie y eso tal vez se debe a otro gran artista, también seguidor de Bowie: Josh Homme.

En la última década si hay una figura en el rock que no da paso en falso, que no entrega nunca regulerías ya sea al frente de una banda o como productor, ese es el pelirrojo Homme, aunque bueno, esto siempre es discutible cuando hablamos de "Eagles of death metal" no?. "Queens of the Stone Age" son maravillosos, el último disco de esta mítica banda liderada por Homme, aquel "Like Clockwork" del 2013, era un disco descomunal y en él ya notábamos mucho de Bowie. Otro grupo de Homme nos sorprendió en 2009, fue junto a Dave Grohl y John Paul Jones, fue con "Them Crooked Vultures". Y luego está su faceta de productor donde tal vez destaca por encima de cualquier otra colaboración la que tiene con los Arctic Monkeys que les hizo madurar y hacerse muy pero que muy grandes. En "Post Pop Depression" Iggy toma la mano de Josh Homme, ambos se van al rancho del pelirrojo para componer juntos un disco que podríamos decir que es obra de Homme con Iggy de cantante, esa es mi opinión que supongo muchos no compartiréis. La banda la forman la cuadrilla de Homme. Primero tenemos como multinstrumentista: bajista, guitarra, piano, clarinete.... a Dan Fertita, ya habitual en los proyectos de Homme y acostumbrado a trabajar en superbandas como QOTSA, The Dead Weather, Eagles of the Stone Age, Raconteurs.... Segundo, contamos a la batería con el mono ártico Matt Helders, con Homme lógicamente a las guitarras y voces, y con Iggy al frente de la superbanda, dándolo todo. Grupón! que por cierto no defrauda y entregan un artefacto que seguramente encontraremos entre lo mejor del año. 

Iggy Pop – “Post Pop Depression” (2016): 01.- Break Into Your Heart/ 02.- Gardenia/ 03.- American Valhalla/ 04.- In the Lobby/ 05.- Sunday/ 06.- Vulture/ 07.- German Days/ 08.- Chocolate Drops/ 09.- Paraguay


La hipnótica "Break into your heart" no parece ser nada del otro mundo pero acaba enamorando sin despeinarse, es sin duda un buen punto de partida. La voz de Iggy brilla, el marcadísimo ritmo de Helders y el piano de Fertita visten de etiqueta la canción que en algún momento parece resucitar a David Bowie.... Siguiendo con el "homenaje" al "Thin White Duke" llega "Gardenia" (where are you?)....  Bowiesque a tope. Una de las canciones del disco, una que nos hace engancharnos sin remisión. "American Valhalla" empieza con ese regusto a la "chica china" y al "Jardín de Hong Kong" de Siouxie and the Banshees, se lo perdonamos porque la canción resultante es espectacular.... Por ahora el producto es de diez, pero hay más corta y pega, más "homenaje" que creación propia. No hay queja mientras el nivel se mantenga, y se mantiene de sobras guardándose un par de ases en la manga que son de lo mejor que ha hecho Iggy en veinte años, hablo de "Sunday" y "Paraguay". Antes, nos encontramos con "In the lobby" que nos introduce en un momento del disco donde el sonido se vuelve muy "mono ártico", más moderno, menos retro, y esto se ve refrendado al escuchar uno de los temas del disco, "Sunday", que es sin duda la pieza central del artefacto, el single que toda gran obra necesita y que coge ingredientes de Bowie, de Homme y de los Arctic Monkeys... incluso en el estribillo percibo un algo de los "Arcade Fire", los mete en la cocktelera, los agita con esmero, y nos lo sirve en una copa con aceituna incorporada. Mucha clase. Pasado el ecuador del disco, Iggy se desmelena con "Vulture", la aportación vocal de la Iguana es impresionante en este tema, tanto o más que la espectacular guitarra de Homme. Un tema muy QOTSA. "German Days" es un stoner-rock en toda regla y para celebrarlo..... champaigne on ice!!.  Preciosa su "Chocolate drops" con reminiscencias a los Pink Floyd y a Bowie como no, que como ya he dicho está presente, en espíritu, durante todo el álbum. El cierre es para la brutal, genial y francamente miniPOM "Paraguay", es uno de los mejores finales de disco escuchado últimamente junto, tal vez, a "Pilgrim" del disco "Nashville Obsolete" de Dave Rawlings Machine del año pasado. "Paraguay" es maravillosa de principio a fin, una de mis canciones favoritas en lo que llevamos de año. Una joya. Un tesoro que pone le broche final al mejor disco de Iggy Pop en décadas, un disco que al parecer por lo leído y escuchado puede ser el último disco de Iggy Pop. Un disco simplemente increíble que reivindica la figura de uno de los grandes y de la sociedad que tenía con Reed y Bowie en el lado salvaje de la vida. 
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Aburrido como una ostra estaba yo hace unas noches, haciendo zapping sin parar y alucinando con el nivel cultural de los programas que emiten las televisiones. En una de estas me paro en el canal Sundance donde empieza un rockumental que llama poderosamente mi atención: "New York Doll". Como podéis suponer dejé el mando en la mesa y me coloqué en el sofá cómodamente. El documental cuenta la historia de la banda neoyorquina, bueno no, mejor dicho, cuenta la historia de uno de sus componentes, del bajista Arthur "Killer" Kane. Nos cuentan la historia de los Dolls lógicamente, pero sobretodo nos cuentan la historia de este carismático componente desde el triunfo de la banda hasta su reunificación 30 años más tarde gracias a la insistencia de Morrissey quién aparece en el documental junto a otros ilustres como Bob Geldof, Chrissie Hynde o Mick Jones de los Clash. La historia de Kane es de alucine, la verdad es que no la conocía. Sabía de la muerte en los noventa de Jerry Nolan y Johnny Thunders, pero nada de lo que había sucedido con el bueno de Arthur. Habla él mismo de su adicción a la drogas y el alcohol, su intento de suicidio, de sus peleas con Johanssen, su mormonización y su trabajo en una biblioteca de L.A, hasta que le llega la noticia de una posible reunificación, entonces vuelve a ponerse en contacto con los miembros del grupo, hay ensayos y finalmente el concierto que es todo un éxito. Su vuelta a L.A y su sorprendente muerte por Leucemia pocos días después. Me quedé alucinado! no conocía ese dato. Un documental interesantísimo que hará las delicias tanto de los seguidores de los Dolls como de aquellos que casi ni les conozcan, a pesar de ser una banda de referencia para el rock, el glam y el punk. Brutales.

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Independientemente de si os gusta más o menos el proyecto y las canciones de Le Clotêt Avec Garcés, su Folkgrunge (TM),  que cogieron forma en el ya comentado "Pasen, acomódense y salgan por donde puedan" (2013) hay que aplaudir como su ideólogo, Hussein Garcés, se las ingenia para sacar él solito este interesantísimo proyecto fuera de lo habitual en nuestro país. El single en cuestión, es ya el tercero, es "Dragones y mazmorras", y es el encargado de cerrar el disco con una composición que ronda los diez minutos y que probablemente sea una de las canciones/single más largas de este país. El videoclip ha sido grabado por Pere Ginard entre España y Finlandia, y será proyectado en importantes festivales diferentes países como: FIVA / FESTIVAL INTERNACIONAL DE VIDEO ARTE (Argentina); INTERNATIONAL FESTIVAL EXPERIMENTAL FILM AND VIDEO FEST. 25 FPS (Croacia); AUSTIN MUSIC VIDEO FESTIVAL (USA); AUSTIN MUSIC VIDEO FESTIVAL (canadá). Os dejamos ya con el vídeo en cuestión, recordando que podéis visitar la página oficial de Le Clotêt Avec Garcés, su bandcamp.

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01.- Raw Power (1973)
02.- The Stooges (1969)
03.- Lust for Life (1977)
04.- Funhouse (1970)
05.- The Idiot (1977)
06.- Post Pop Depression (2016)
07.- Brick by Brick (1990)
08.- American Caesar (1993)
09.- New Values (1979)
10.- Ready to Die (2003)

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Os acordáis de aquellas películas de Charles Bronson en las que después de que un grupo de vándalos matara a su mujer e hija, se le hinchaban los bemoles y escopeta en mano acababa limpiando la ciudad de malechores? pues todos aquellos que criticaban aquellas mamarrachadas al parecer ahora aplauden las que nos cuenta el film "John Wick", que se estrenó directamente en televisión sin pasar por las salas de cine, por algo será no? de todas formas a un mamarracho como yo eso no le asustó y acabé viendo el film vía Netflix hace unos días. Un sopor, ya os lo avanzo. La película cuenta la historia de John Wick, un asesino a sueldo retirado a quién se le muere la mujer quedando completamente hundido, más aún cuando ella le regala un perro para que no esté solo. Perro que es asesinado por el hijo de un mafioso ruso (el jefe de Wick en el pasado), así como el robo de su flamante coche. A John Wick lo interpreta (digo interpretar por decir algo, le pone cara, vamos...) Keanu Reeves, y como Bronson en aquellas películas que nos llegaban en VHS, acaba repartiendo estopa a diestro y siniestro. Una auténtica mierda. Y vamos a ver, que pasta hay para dar y regalar., desde luego el caché de actores es tremendo, desde el mismo Keanu hasta William Dafoe pasando por Leguizamo y McShane, y un millón de caras conocidas de las series televisivas con más audiencia de los últimos años, por poner un ejemplo Alfie Allen, el Hediondo de Juego de Tronos. Hay un dineral en efectos, coreografías de acción imposibles y cosas por el estilo. Y....  lo reconozco, no la acabé de ver, me pareció un bodrio como hacía tiempo que no veía, y eso que solo dura una hora y media... pero a mi me dio la sensación de ser eterna. Leo cosas como que Reeves está estupendo, y que la película es excitante.. sí claro, sabemos que hay gente que se excita con las cabras en el monte.... Resumiendo, esta película es una gran y pestilente mierda... y ojo, dentro de poco se estrenará John Wick 2, seguramente con un guión prodigioso. 
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La primera temporada de The Last Man on Earth (ir a T1) me parece sensacional, divertida, fresca, atrevida y políticamente incorrecta, tenía ese retrogusto a la descarada y genial "Me llamo Earl", salvando lógicamente las diferencias. Me hacía reír con sus guiones absurdos y sus geniales interpretaciones. Si te gustaba "Earl" y te gusta el humor del "Sarturday Night Live" esta debe ser tu serie. Poco a poco fueron añadiendo personajes y cerraron la temporada con un guiño a lo que seguramente veríamos en su continuación, la llegada a la Tierra del astronauta y hermano del protagonista, de nuestro Tandy, todo a ritmo de The Kinks, poniendo así la guinda al pastel. De esta manera las ganas por ver la segunda temporada eran enormes pero una vez comencé a verla sufrí una destrempera. Esta segunda temporada es demasiado más de lo mismo. Mismos chistes y situaciones similares pero sin el factor sorpresa, y sin esa frescura se quedan en poco o nada. Sí me ha gustado pero desde luego ha hecho que baje mi nota y mi preferencia por esta serie. Cuando vi la segunda temporada de por ejemplo "Catastrophe" sentí la necesidad de ver más, de recomendarla a todo el mundo, en cambio la segunda temporada de "The Last Man on Earth" no me ha hecho volverme loco. La serie parte de una muy buena idea pero en su desarrollo va perdiendo fuerza, se vuelve normal, obvia y repetitiva, necesita ir no un paso más allá sino dar una enorme vuelta de tuerca al asunto. Es entretenida no diré que no pero ha perdido toda su genialidad y se ha vuelto demasiado previsible, dejándome algo decepcionado. Si hay T3, que creo que sí, un servidor le dará otra oportunidad porque sinceramente podemos encontrar en cada episodio algo descacharrante aunque en general dichos episodios no sean perfectos. 
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RYAN ADAMS & THE CARDINALS/ COLD ROSES (2005)/ LET IT RIDE

 
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Después de más de casi veinte discos publicados entre trabajos en solitario, directos y junto a su banda "Whiskeytown" he de admitir ya sin disimulo alguno que mi disco favorito del cantautor originario de Jacksonville es sin duda su primer trabajo en solitario, su "Heartbreaker". No tiene disco mejor en mi modesta opinión, ni lo tendrá creo yo. Vale, luego ha realizado exquisitos trabajos porque es indudable su talento, Ryan Adams tiene talento y genio para dar y regalar, y muestra de ello es su primera época en soilitario con el genial "Gold" y sus restos en "Demolition", contando claro con el debut que os comentaba y el doble "Love is Hell" que es una delicia cósmica, pero nada como "Heartbreaker", ni de lejos. En este miniresúmen he obviado "Rock'N'Roll" porque con Adams siempre hay un "pero", siempre hay un "porqué lo hicistes?".... es un tipo muy creativo, un culo inquieto, tal vez demasiado.. Sólo si por un momento se hubiese detenido y se hubiese puesto a pensar lo que sacaba al mercado pues creo sin duda que le hubiese ido mucho mejor y eso que no le ha ido mal del todo, nada mal, más que bien. Aquel "Rock'N'Roll" era diferente a lo que hacía siempre, parecía más un encargo de la discográfica o tal vez fue un capricho suyo, con los genios quién sabe, pero le faltaba alma y sí, calidad. Eso le ha pasado muchas otras veces en su carrera, hay discos notabilísimos seguidos de discos reguleros, por tanto la irregularidad de Adams le acaba pasando factura al intentar evaluar su carrera, que por otro lado es notabilísima pero como digo podía haber llegado a la excelencia.


Nos vamos a situar hoy en el Exilio en el año 2005, un año de incontinencia creativa por parte de Adams. Tres discos en un año, uno de ellos doble. "29" fue el último en salir, y es sin duda ese "pero" que os comentaba, me parece un fraude, en cambio su disco country, su "Jacksonville city nights" es de una belleza abrumadora, es un discón no apto para todos los públicos pero sí un discón, uno de mis favoritos de Adams. Y llega el doble álbum, el disco del que hoy os quería comentar cuatro cosas, un disco doble que sin mentiros hubiese ganado muchísimo (casi sería el mejor) de haberse recortado y escogido los temas con mimo para entregar un álbum simple. Les pasa a muchos discos dobles, en realidad a casi todos, el contenido es excesivo y cuesta mucho muchísimo no empachar al personal. Demasiados altibajos. Canciones magistrales junto a deslices evitables. Adams para la ocasión se arropa con una gran banda de acompañamiento, The Cardinals, que durante esos años le acompañarán en sus proyectos. Los Cardinals más o menos han tenido una formación estable, tal vez su cabeza más visible haya sido nada más y nada menos que Neal Casal quién tiene una forma de tocar la guitarra muy particular siendo reconocible a millas, además de este crack absoluto en el grupo encontramos a Brad Pemberton, Jon Graboff, Chirs Feinstein, Catherine Popper, JP Bowersock, Cindy Cashdollar y Jamie Candiloro, aunque si no me equivoco Neal Casal no estuvo en la grabación de este disco y sí en "Jacksonville", "Easy Tiger" y "Cardinology", pero vamos, en los conciertos ya aparecía como su fiel escudero.


Como os decía el álbum resulta excesivo, casi de empacho. Si llegamos a juntar los bonus track de ediciones intercontinentales nos sale la friolera de 21 temas. Alguién tenía que haberle dicho a Ryan que no era buena idea, supongo que se lo dijeron pero no hizo caso, ya hicieron la jugada con "Love is Hell" dividiendo el disco en dos para luego sacar un formato doble. Yo tengo los discos por separado y creo que es una equivocación pues entonces sí tocaba doble. Aquí con "Cold Roses" no se tenía que dividir en dos entregas sino directamente suprimir muchos de ellos para dar un disco sobresaliente.  El primero de los dos discos tiene un inicio magnífico con "Magnolia Mountain" donde además de percibir un retorno a sus raíces, a las que le hicieron grande, notamos que está muy bien acompañado por los Cardinals, la banda suena potente, engrasada. No es un disco en solitario de Adams, es el disco de un grupo de country-rock. "Sweet illusions" es de una calidad impepinable, de esas de tómame o déjame, de esas de bellos de punta, de lagrimilla deslizándose por la mejilla, de esas de terciopelo azul con un Ryan Adams vocalmente sobresaliente, una de las joyas de este Cold Roses. Y bueno, no se queda corta la belleza de "Meadowlake street" que si en el corte inicial notábamos la presencia imaginaria de los "Crazy horse" esta vez la sombra de Tito Neil es no alargada no, es gigantesca. La delicadeza country de "When will you come back home?" da paso a un cañonazo de dimensiones siderales, "Beautiful sorta" es puro rocanrol. Antes de afrontar el magnífico honytonk de "Cherry Lane" la belleza de "Now that you're gone" se apodera de nuestras almas, y ya la guitarrita de "Mockingbird" es para aplaudir con las orejas. Cierra el primero de los dos discos "How do you keep love alive" que se mueve en la balada a lo Elton con ese pianito delicioso y la slide picando en la esencia del Boss. Bonito cierre, pero no se vayan todavía aún hay más.

La entrada de "Easy Plateau" es para relamerse, sonrisilla colocada todo el tema y a tararear el estribillo. Lujo. El single "Let it ride" es un temón de country-rock, clasicismo al cuadrado demostrando que Adams hace estos temas con la punta del nabo, con perdón, cuando quiere. Y joder, a mi "Rosebud" me desmonta, me enloquece, me pone los pelos de punta y para rematar con el póker inicial Ryan se guarda un as en la manga, nos presenta el tema que da nombre al disco, un temón, eso es lo que es "Cold Roses". "If I am stranger" es otro de esos temas que para otros serían un exitazo pero para Adams quedan como relleno, es un tema muy bueno al que le falta algo no a "Dance all night" donde deslumbra la armónica devolviéndonos a tiempos dorados, a tiempos de "Gold". En "Blossom" aparece con descaro y sin disimulo el Young de "Harvest" y es que Tito Neil es todo un referente no sólo para Ryan sino para toda la humanidad. Sin embargo nunca me ha acabado de seducir "Life is beautiful", relleno?. Antes de cerrar el doble álbum nos encontramos con la bella balada "Friends" que debería haber cerrado el disco pero que no lo hace porque añade (por si no teníamos bastante) una bonus track, termina entonces enérgicamente con "Tonight" que tampoco me gusta demasiado. La mitad de este segundo disco es donde yo creo que se podrían haber realizado los descartes para dar un disco sencillo sobresaliente, y tal vez por eso creo que se quedó en notable, y es que como dije al geniecillo de Adams le pierde la cantidad y no la calidad, esta vez recuperó el pulso perdido y con "Jacksonville City Nights" del mismo año tocó el cielo.

Ryan Adams - "Cold Roses" (2005)
8,5/10
disco 1: 01.- Magnolia Mountain/ 02.- Sweet Illusions/ 03.- Meadowlake Street/ 04.- When Will You Come Back Home/ 05.- Beautiful Sorta/ 06.- Now That You're Gone/ 07.- Cherry Lane/ 08.- Mockingbird/ 09.- How Do You Keep Love Alive.//// disco 2: 01.- Easy Plateau/ 02.- Let It Ride/ 03.- Rosebud/ 04.- Cold Roses/ 05.- If I Am A Stranger/ 06.- Dance All Night/ 07.- Blossom/ 08.- Life Is Beautiful/ 09.- Friends/ 10.- Tonight (bonus track).


*Post aparecido originalmente en EXILE SH Magazine por Nikochan
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Cuando en alguna que otra sobremesa se habla de Juanito Depp como "ese gran actor" me descojono toa. Hace mucho tiempo que anda perdido, tanto en su vida laboral como en lo personal, siempre necesita refugiarse detrás de toneladas de maquillaje, máscaras o pelucas, sin ellas, cuando sólo con su cara tiene que hacernos creer que es otra persona, otro personaje, fracasa estrepitosamente. Y bueno, reconozco haberle cogido mucha, mucha manía, y es que repasando su filmografía creo que no ha hecho una película realmente buena, una interpretación decente en todo lo que va de milenio, y claro, esta "Black Mass" que vi el otro día y de la que os quería hablar hoy no es una excepción. En este film dirigido por Scott Cooper basado en una historia real y a su vez en la novela del mismo nombre, Depp interpreta a Whitey Bulger, mafioso irlandés residente en Boston con amigos de la infancia en el FBI que le ayudan a dominar las calles y a hacerse millonario. Depp no necesitaba en este film una caracterización especial pero él la pide para esconderse detrás de una máscara y realmente queda bastante mal. Su actuación no es mala pero es ordinaria así que poco que decir sobre ella o sobre cualquiera del resto de actores que aparecen en el film y que son ciertamente de lujo: Joel Edgerton, Benedict Cumberbatch, Rory Cochrane, Jesse Plemons, Dakota Johnson, Kevin Bacon, Peter Sarsgaard, Corey Stoll, Juno Temple....  El guión es disperso, la historia lenta, aburrida, previsible, falta de momentos de suma violencia... no me ha gustado nada de nada. Un tipo de film que hemos visto miles de veces debe tener algo más que lo que ofrece Black Mass para agradarnos, para que aplaudamos a raudales, en cambio el documental sobre James J. Bulger, sobre Whitey llamado "Whitey: United States of America Vs James J. Bulger" es muy bueno. Volviendo a Depp, mejor que se prepare para la nueva de Piratas del Caribe, la quinta... donde compartirá planos con Javier Bardem, y se deje de hacer papeles para los que no está preparado. 
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El padre del blues de Chicago. El gran Muddy Waters. Faltan palabras y tiempo para describir a uno de los más grandes de la historia. y faltan personas que ayuden a valorarle como es debido. Tal vez con la reedición del concierto que dio en el The rising sun celebrity jazz club en 1977 junto a Luther “Guitar Junior” Johnson y “Steady Rollin’” Bob Margolin a las guitarras, Jerry Portnoy a la  armónica, Pinetop Perkins al piano, Calvin Jones al bajo y Willie Smith en la batería, podamos entender su fuerza, su importancia, su magia, su influencia... pues sus canciones y su manera de interpretarlas sirvieron para que bandas como los Stones, LedZep e incluso ACDC acabasen de darle forma a su material y a sus directos. Estamos ante un directo de esos tremebundos que deberían ser estudiados y escuchados durante nuestra formación, tanto personal como académica. Un directo donde Waters está inmenso y la banda totalmente desatada, on fire. "Baby please don't go" abre el disco, si bien la versión de Van Morrison es la que yo considero la mejor de todas, ésta bluesera de Muddy es canelita. El blues de "Howling Wolf" es un ejemplo de lo que os comentaba antes sobre por ejemplo Led Zeppelin, en esas primeras notas hay mucha de la esencia de aquellos. Por cierto, temón. Seguimos bluseando de lo lindo con "I want you to love me" para dar paso al boogie de "Can't get no grinding" y a la obra maestra llamada "Hoochie coochie man", sólo por eso bien vale hacerse con este artefacto. No voy a ir tema a tema porque lo que realmente me parece interesante es abandonarse escuchando las canciones que lo componen, aunque sí me gustaría destacar la maravillosa "They call it stormy monday" y el cierre con "Kansas City". Un directo necesario.

Hoochie Coochie Man: Live at The Rising Sun Celebrity Jazz Club (1977): 01.- Baby Please Don't Go/ 02.- Howling Wolf/ 03.- I Want You To Love Me/ 04.- Can't Get No Grindin/ 05.- (I'm Your) Hoochie Coochie Man/ 06.- Nine Below Zero/ 07.- The Blues Had A Baby (And They Named It Rock N' Roll)/ 08.- They Call It Stormy Monday/ 09.- Highway 41/ 10.- Kansas City.

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Hoy toca clasicón televisivo, hoy toca canelita de la buena. "State of play" es seguramente la respuesta a todas las preguntas televisivas: sí, existen series de otras galaxias, de nivel inalcanzable tanto de guión como de interpretación. Os pongo en situación: serie del 2003, BBC, director David Yates, guión Paul Abbott, interpretes de lujo como David Morrissey, John Simm, Kelly Macdonald, Amelia Bullmore, Bill Nighy, Philip Glenister, Benedict Wong, James McAvoy, Marc Warren, Rebekah Staton.... Sobran presentaciones si uno es asiduo al cine y las series... brutales todos, no falla ni el Tato. Serie de seis episodios, sobre periodistas que investigan dos asesinatos en principio sin conexión, uno de un pandillero otro de la amante de un alto cargo político... La historia funciona como un reloj y nos atrapa sin remisión, la linea de investigación es espectacular, el trabajo periodístico que se nos muestra un ejemplo, la corruptela política también... maravilloso ir conociendo las pistas y uniéndolas, te hacen participe de toda la investigación. Todo genial, todo increíble. Sólo la BBC hace cosas así (bueno y HBO, claro), todo impresionante. De obligado visionado. En 2003 ya existía "The Wire" y tal vez son dos series en las que al terminar de verlas uno tiene la sensación de haber visto algo grande, algo realmente inteligente y crítico. Vale, no es "The Wire" pero es que aquella es la mejor serie de la historia. Hace ya unos meses que pude gozar de esta miniserie británica pero se me había olvidado hablaros de ella, y el escribir sobre esto hoy se debe a que hace una semana más o menos me tope con una película que desconocía por completo. Comenzaron los créditos y allí actuaban Russel Crowe, Ben Affleck, Robin Wright y Rachel McAdams. El film se llamaba "La sombra del poder" y es del 2009, al empezar a verla tuve un déjà vu enorme, sí, era la versión yanqui y en película hollywoodiense de aquella inmensa serie, y la vi, y me pareció una inmensa y apestosa mierda. En cuanto podáis, ver la serie y os aconsejo huir de todo aquello relaciona con Crowe y sobretodo con Affleck, me lo agradeceréis. 
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COMPAY SEGUNDO/ CALLE SALUD (1999)/ CHAN CHAN

 
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Definitivamente los calores se han instalado en la capital catalana y como siempre que estos aparecen en el hogar nikochiano comienzan a escucharse sonidos y melodías poco habituales durante el año pero que encuentran con el buen tiempo el momento perfecto para reivindicarse. Un artista de esos a los que siempre recurrimos y que nos suele estremecer es Máximo Francisco Repilado Muñoz aunque muchos de nosotros le conozcamos mejor como Compay Segundo, el padre o el abuelo del Son Cubano, El Patriarca le llamaban. Compay pertenece a esos artistas que nacieron a principios del siglo veinte, un hombre sin duda de otra época, pues hablamos por ejemplo de que con tan solo diez años ya trabajaba en la fábrica de Montecristos y con el dinero que sacaba intentaba pagarse clases de música aunque casi todo su aprendizaje fue de oído. Involucrado en mil y una orquestas no fue hasta la década de los setenta con la resurrección del Son que Compay comienza a ser un referente en la Isla, porque fuera de allí casi nadie conocía su nombre. Un servidor como otros muchos supimos de él gracias a Santiago Auserón que fue a visitarle buscando nuevas sonoridades, después Compay conoció al grandísimo Ry Cooder y acabaron despachando el mítico e indispensable "Buena Vista Social Club" en 1997, obteniendo gran éxito y permitiendo a Compay grabar casi  media docena de discos desde entonces que son los que tal vez recordamos muchos de nosotros. Con 93 años Compay Segundo firmó uno  de esos discos a los que recurro con asiduidad, un disco maravilloso llamado "Calle Salud" (1999) del que hoy os quería hablar un poquito. Un disco delicioso con sonoridades que nos trasladan a otra época, a otros paisajes y olores, con melodías cercanas al son mezclados con toques afro, toques de merengue, bolero, o cha-cha-chas sabrosones.  Un disco que nos aporta felicidad, y eso, felicidad es, como dice la canción, lo que siempre nos dará Compay Segundo.


Compay Segundo - "Calle Salud" (1999): 01.- Saludo a Changó/ 02.- Amor gigante/ 03.- Una rosa de Francia/ 04.- María en la playa/ 05.- Versos para ti/ 06.- La engañadora/ 07.- Viejos sones de Santiago/ 08.- El día que me quieras/ 09.- Se perdió la flauta/ 10.- Morir de amor/ 11.- Lágrimas negras/ 12.- Balcón de Santiago/ 13.- Chan chan.

Una de las mejores cosas del disco son esos vientos, esos clarinetes que acarician una vez tras otra nuestro corazón, y en el caso de la canción que abre el disco "Saludo a Changó" esa guitarra acústica que es simplemente bella y el Batá de Roberto Vizcaino. Una de mis favoritas de todo el disco: A la coco comí eyé, a la coco comí eyé. Obaicheré, obaicheré.... A este temón le siguen dos boleros impresionantes, primero "Amor Gigante" donde destaca Hugo Garzón por su voz y sus maracas, y segundo "Una rosa de Francia" que me derrite toa. Estamos como digo ante un disco embriagador, un disco seductor en el que es difícil destacar un tema sobre otro, pero por ejemplo diría que siento debilidad por "Versos para ti", "Viejos sones de Santiago" donde el protagonismo vocal es para Vionaika Martínez y Mayelín Perez, "Morir de Amor" en el que Charles Aznavour pasea magistralmente su voz, y como no "Lágrimas Negras", que es uno de los temas de este maravilloso disco. La versión de "El día que me quieras" no me acaba de convencer pero sí la estupenda instrumental "Se perdió la flauta" y la despedida con "Chan Chan". "Calle Salud" es un buen inicio para conocer a Compay Segundo, un disco de una calidad gigantesca que posee magia, unas sonoridades embriagadoras, un no sé qué que me sedujo hace mucho tiempo haciendo especial este disco para un servidor. Un disco sanador de almas.
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Después de ver "Love & Mercy" uno siente la necesidad, el impulso irresistible, de escuchar "Pet Sounds", es imposible no hacerlo. A pesar de esto no estamos ni mucho menos ante una gran película. Sí, es un biopic pero no es un biopic al uso, y a mi no me apasionan los biopics pero si lo pienso bien confieso acabar viendo todos los que se me ponen delante. La vida de Brian Wilson llevada a la gran pantalla parece una gran idea, pero este film no es realmente una película sobre la vida de Brian Wilson, ni tampoco sobre la carrera de los Beach Boys. La película se centra en la interesante y para muchos desconocida relación turbulenta entre el genio Wilson y su médico, psicólogo, terapeuta o como queramos llamarlo Eugene Landy durante la década de los ochenta, el doctor le diagnostica esquizofrenia paranoide, se hace cargo de él y lo tiene bajo tutela legal, en realidad parece tenerlo encerrado y drogado, teniendo la fortuna de Wilson en sus manos.... hasta que pasa lo que pasa, alguien le ayuda y consiguen desvincularlo del doctor. La película está dirigida por Bill Polhad al que muchos conocerán por su faceta de productor, aquí simplemente cumple, y lo hace de manera notable cuando se ocupa de los flashbacks que nos cuentan la historia de un joven Brian Wilson interpretado magistralmente por Paul Dano, donde vemos crecer a los Beach Boys, grabar su "Pet Sounds", etc, etc..., y como no, fracasar estrepitosamente cuando se ocupa de un Brian Wilson cuarentón  y sobremedicado interpretado por un nefasto John Cusack. La interpretación de Dano es más que notable y eclipsa a la de Cusack, y es que este actor que es tan mítico como regulero no sabe actuar, siempre hace de sí mismo y en este caso no se toman la molestia ni de caracterizarlo. Nunca tenemos la sensación de ver a Wilson, todo el rato es Cusack, Cusack y Cusack... y además tiene la desgracia de compartir planos y frases con un monstruo de actor, con Paul Giamatti que interpreta al odioso Eugene Landy, y como podéis imaginar, se lo merienda. Como digo, el film se queda en un bien justito, anclado por un guión cobarde y la interpretación vergonzosa de Cusack. Brian Wilson merecía un biopic grandioso, y tal vez dedicarle todo un film a la época de los sesenta hasta que queda sumergido en una gran depresión hubiese sido más acertado aunque esa relación con el Dr. Landy pudiera dar mucho más juego que el que da. No digo que no la veáis pero desde luego se os olvidará rápidamente, más aún si lo siguiente que hacéis es escuchar por enésima vez esa POM llamada "Pet Sounds".
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01.- The Kinks
02.- Talking Heads
03.- Led Zeppelin
04.- REM
05.- The Smiths
06.- The Black Crowes
07.- The Jam
08.- Genesis
09.- Oasis
10.- The White Stripes

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